PASION DE PLÁSTICO ALMA DE GOMA

RINGO THE FOURTH

2011-07-07T09:23:00.000-07:00

Hoy cumple 71 años Richard Starkey, el cuarto de los Beatles, el grupo más grande de la historia del rock/pop.

El hombre con la mejor suerte del mundo y el que mejor supo aprovecharla.

Ringo Starr, tal su nombre artístico, era ya un músico consolidado cuando los Beatles lo hicieron entrar en la banda para grabar su primer disco que había sido rechazado muchas veces por discográficas confundidas.

Ringo era el baterista de Rory Storm and The Hurricanes, un grupo bien conocido en el circuito Liverpool/Hamburgo, un músico que tenía su auto propio y muchos conciertos en su haber.

A Paul McCartney, que lo quería en su grupo, se le ocurrió la idea de enrocar a ambos bateristas, luego que Ringo reemplazara a Pete Best, en un show en el Cavern en febrero de 1962, una noche que el primer baterista de los Beatles no se sentía bien, (ese fue el primer día de mala suerte de Pete Best en el grupo).

Best se negó rotundamente a cambiarse a los Hurricanes de Rory Storm.

Pocos meses después, la historia conocida por todos, sale Best, entra Ringo y al principio es rechazado por el productor George Martin, que por las dudas, le encarga los palillos a Andy White, un baterista de sesión para grabar la batería de "Love Me Do" primer single de The Beatles.
Aunque eso no duró mucho, Starr se llevó un buen susto, había dejado a una banda donde ganaba dinero y con ésto, ya se veía sin trabajo.

John Lennon dijo en un reportaje "Pete Best era un buen batero, pero Ringo es mejor Beatle".

Muchos músicos afirman que Ringo Starr no es muy bueno, que no tiene técnica, que es muy lento y no sé cuántas inexactitudes más.

Los desmienten grandísimos baterías del mundo, que lo tienen en un pedestal y reconocen influencias en su forma de tocar: Phil Collins, Liberty De Vitto, Eric Carr, Phil Rud, Dave Grohl, entre otros.

Si quieren escucharlo "at his best", dénle una oída profunda a la batería en canciones de The Beatles como: "A Day In The Life", todas las de Abbey Road, Strawberry Fields Forever y Please, Please Me. Escuchen lo que hace ahí con el set.

En estos días, como su ex compañero Paul, Ringo sigue en la ruta con su "All Starr Band" recorriendo el mundo y llegará por primera vez a Sudamérica.

Bienvenido seas, entonces.

McCARTNEY REMASTERIZADO Y AUMENTADO

2011-07-04T02:54:00.000-07:00

En una entrevista que en 1963 le hacían a Paul McCartney, éste decía que no se imaginaba en veinte años más cantando "She Loves You". Conociéndolo a Paul, creo que pensaba lo contrario y es más, que se diría a sí mismo: "si estas canciones son de oro..".
Estamos en 2011 y de nuevo Paul McCartney, el "Big Mac", Paulo Le Mac, el beatle Paul, o Sir Paul, ha salido de gira el pasado año, y sigue, cómo no, cantando en vivo las canciones que compuso en 1963.
Hace unos días se ha editado, esta vez sin el paraguas de EMI, ni de Apple, sino bajo el sello Hear Music, del dueño de las cafeterías Starbucks los dos McCartney, es decir su primer disco solista de 1970 y el segundo, de 1980. Remasterizados, con un sonido impecable y una presentación increíble. En soporte cd y digital.
La remasterización fue llevada a cabo este año por el mismo equipo de ingenieros de EMI que trabajó en la colección completa de The Beatles en 2009 y fue supervisada por el mismo McCartney.
Salió a la venta física el día 13 de junio y hay varias opciones:
La edición estándar, que consta de los trece tracks originales en cd más la posibilidad de bajar los trece temas desde la página de Paul, en mp3 de 320 kbps, sin protección DRM.
Una edición especial de dos disquitos, uno con los temas originales y otro con siete bonus tracks, más la opción de bajar los veinte temas en mp3 de 320 kbps. y un librito con más fotos que las publicadas en la edición de 1970.
Y la edición deluxe, numerada, que consta de 2 cds, 1 DVD, más un libro de 128 páginas con fotos nunca antes publicadas, textos explicativos de cómo fue hecho el álbum, los 13 temas originales, más 7 tracks no editados anteriormente.
Una de estas versiones inéditas es el tema completo "Suicide", ese trocito de canción que Paul canta al final de "Hot As Sun/Glasses" y que ahora podemos escuchar cómo era en su totalidad, percibiendo que no era una canción terminada, sino un esbozo de una hermosa melodía.
He tenido la oportunidad de escuchar la versión del álbum en Alta resolución de audio y realmente hay una gran diferencia con el cd. sencillamente porque el cd tiene compresión de picos (peak limiting) y reducción de ruidos (noise reduction).
El proceso de limitación de picos, fue introducido por la industria, cuando se transcribió de la cinta análoga a digital y fue hecho para ganar en sonoridad y evitar la distorsión, pero depende de qué grado de limitación utilicen, a veces genera la pérdida del rango dinámico que tenían las grabaciones análogas.
Y el otro proceso, el de reducción de ruido, fue creado para quitar el ruido blanco característico de la cinta análoga pero cuando es usado en exceso, también puede perderse fidelidad, que es lo que pasa en la mayoría de los cds, por eso se entiende que el disco de vinilo suena mejor.
Los tracks en audio de alta resolución pueden ser descargados al comprar la edición deluxe del disco, pero para eso hay que desembolsar casi 57 eurazos.
Aquí pueden escuchar el programa Nº 107 de "Universo Beat", donde en mi sección "Pasión de Plástico", hablo sobre este tema.
http://www.4shared.com/audio/DXQH7V80/PROGRAMA_107__02-7-2011_.html

EL SÁBADO 2 DE JULIO VOLVEMOS A "UNIVERSO BEAT"

2011-06-29T12:16:00.000-07:00

El próximo sábado 2 de julio volveremos con nuestro bloque en el programa de radio "Universo Beat", que se emite los sábados de 23 a 24 por Radio Colonia (Uruguay/Argentina) y en dúplex también por FM Laser 89.5, MDQ.

YES-BUGGLES, UN EXTRAÑO ENCUENTRO

2010-12-07T10:05:00.001-08:00

¿Voy a hablar de Yes en un programa eminentemente beat?

Sí, porque esta banda que fue el cenit de la música progresiva en los setentas, al comenzar la década siguiente se cruzó con un dúo muy ochentero y el resultado fue, primero un disco sinfónico y luego otro muy pop y de canciones que no duraban más de cinco minutos.

Se cuenta que el dúo Buggles famosos por el tema "Video Kill The Radio Star"compartía manager y estudio de grabación con Yes y que en 1980, cuando se fueron el cantante Jon Anderson y el tecladista Rick Wakeman, les ofrecieron integrarse a la banda sinfónica y lejos de amilanarse, Trevor Horn y Geoff Downes, sus respectivos reemplazantes, aceptaron de buen modo.

Los dos se unen a Yes y graban "Drama" un disco que los devuelve a las raíces más progresivas. El disco es un éxito y comienzan a girar por el mundo presentándolo, pero al llegar a Gran Brataña, Horn se queda sin voz tratando de llegar al tono altísimo de Jon Anderson.

El grupo, se retira de esos conciertos entre abucheos y silbidos y se disuelve hasta nuevo aviso.

En 1983 Yes vuelve a unirse, esta vez con Anderson pero sin Wakeman y con Trevor Rabin en la guitarra, para las teclas vuelven a lamar al tecladista de la primerísima época, Tony Kaye y con esta formación graban 90125, el disco moderno de Yes, el del hit "Owner of a lonely heart", el más pop en temas y arreglos, con Trevor Horn ya no como cantante sino como productor.

Buggles grabó un segundo álbum en el año 1981 y al tiempo se separó.

El álbum siguiente de Yes salió recién en el año 1987 y se llamó "Big Generator" repitió la fórmula, la formación y el productor, pero tuvo mucha menos suerte que su antecesor, en críticas y ventas.

Yes se juntó infinidad de veces, con diferentes formaciones, hasta hubo un "MegaYes" con prácticamente todos los integrantes que pasaron por sus filas.

Actualmente por conflictos con Jon Anderson, que dejó la banda en 2008 por graves problemas de salud, se hacen llamar Howe, Squire & White in the present Yes, tocando en vivo con Oliver, el hijo de Rick Wakeman, en el rol de su padre y un cantante de una banda de tributo a Yes llamado Benoit David, que parece ser un clon vocal de Jon Anderson.

Esta es la formación que se presentó hace poco en Buenos Aires, haciendo el repertorio clásico de la banda más algunas canciones del álbum "Drama" el único disco de Yes que no cuenta con la voz de Anderson.

http://www.goear.com/listen/1d44d00/prog-77-4dic-universo-beat-am-550-colonia

UN HURACÁN LLAMADO SMITH

2010-11-22T05:13:00.000-08:00

El tipo fue piloto de la Real Air Force durante la segunda guerra mundial, al tiempo intentó suerte con el jazz pero con poca fortuna, y en 1959 consiguió un trabajo en los estudios de EMI, esos que están en la calle famosa, y desde 1962 hasta 1965 trabajó con los Beatles como ingeniero de sonido, hasta que la empresa lo ascendió al cargo de productor y dejó de trabajar con ellos. El último disco de los Beatles donde intervino fue Rubber Soul y estuvo tras la mesa de grabación en más de cien canciones de los Fabs.

En 1967 fue el productor de una banda que recién había sido fichada por el sello, Pink Floyd, él les produjo tres álbumes: el primero, el tercero y el cuarto: The Piper at the Gates of Dawn, A Saucerful of Secrets, y Ummagumma.

En 1968 produjo el primer álbum conceptual del rock: S. F Sorrow, de los Pretty Things.

Su nombre es Norman Smith, un gran productor inglés que con semejantes credenciales uno sólo lo imagina delante de una mesa de grabación, entre grabadores, cables y cintas adhesivas.

Pero no, el tipo se pasó del otro lado y se convirtió en "Hurricane" Smith, el cantante de la voz de saxo tocado sucio.

En 1971 escribió una canción con la intención de que John Lennon la cantara, pero cuando se la hizo escuchar a un amigo productor llamado Mickie Most, éste le sugirió que la grabara él mismo, casi como estaba en el demo.

La canción se llama: "Don't Let It Die" y fue su primer hit en Reino Unido, luego llegaron otras:

Al año siguiente "Oh Babe What Would You Say" llegó al número 1 en EEUU y un cover de Gilbert O'Sullivan llamado "Who Was It" fue incluido en su LP debut, que llevaba su seudónimo.

Luego, los gustos fueron cambiando y Hurricane dejó de tener números uno.

También grabó un instrumental que en Argentina se conoció como fondo musical de un aviso de una marca de cigarrillos y que es el himno no oficial del club de futbol inglés Aston Vila.

En 2004 Smith volvió a grabar una selección de canciones entre las que figuraban todos sus hits de antaño y en el librito del cd hay textos escritos por Paul McCartney y por miembros de Pink Floyd.

Escribió sus memorias en un libro llamado "John Lennon me llamó Normal"

El libro contiene fotos inéditas de los Beatles, de Pink Floyd en los estudios de Abbey Road.

Norman Smith falleció a los 86 años, en 2008 aunque su música, va a seguir sonando mucho tiempo más, a fuerza de calidad.

Marcelo Castello para Universo Beat

http://www.goear.com/listen/51f7b4a/programa-75-nov20-universo-beat-colonia

BANDA EN FUGA

2010-11-14T08:32:00.000-08:00

Un auto que se para averiado en el medio de un camino sin asfaltar, otro que se detiene detrás, y cinco hombres que bajan del segundo coche, se entabla un diálogo con los del primero, discuten, hay un forcejeo y de pronto, uno de los que iban en el primer auto se encuentra con un cuchillo que se acerca peligrosamente a su cuello.

La mujer del hombre amenazado grita, pide por favor, no sabe qué decirles a los maleantes para que suelten a su marido, que lo dejen ya, las palabras se le atragantan y del alma le sale la frase mágica: "¡Suéltenlo, es el Beatle Paul...!".

Un estudio de grabación a medio terminar, en un sitio donde llueve todo el tiempo, hay mala onda y un gobierno militar.

Es un país de Africa, Nigeria y esto pasa en su capital, Lagos.

Dos integrantes de una banda que deciden bajarse de ella unos días antes de viajar con el resto del grupo y sólo quedan tres: marido, mujer y otro más.

Hay que grabar un disco, con la banda diezmada, ¿Qué más podría pasar?

¿Algo peor? sí, el día del incidente del cuchillo, el botín del atraco fueron unos casetes, que valían más que el oro, eran los demos del nuevo disco de Wings.

Y todo vuelve a fojas cero, memorizar las canciones. Qué trabajo, pues no tanto, los temas fueron compuestos hace muy poco. Es el verano de 1973 y Paul McCartney y un reducido Wings ya han pasado lo peor.

Paul, con Linda y Denny Laine, ahora son los únicos integrantes de la banda, y se preparan para grabar en ese estudio que EMI está construyendo en Lagos, capital de Nigeria.

"Pensaba en que íbamos a pasar unos días de verano en un paraíso, playa y sol por el día, grabación por la noche. Idílico. No contaba con que íbamos a un país donde gobernaba una junta militar y que el estudio estaba a medio hacer..."

En esas condiciones ¿Qué se podía hacer?

Se podía y se pudo: crear y concebir el mejor disco solista de un músico que integró una banda que se llamó Los Beatles.

En este entorno funesto se grabó "Band On The Run", de Wings, el grupo que Paul McCartney formó en 1971 para salir nuevamente de gira por lugares recónditos, prescindiendo del gran aparato de la industria y para sacudirse de su cabeza a los fabulosos cuatro.

Hace pocos días ha salido a la venta una nueva edición de este clásico de la música pop, con bonus tracks en un segundo disquito de versiones que no habíamos escuchado antes y la filmación del making of del disco, en un tercero que es un DVD.

Hay también una edición para coleccionistas, esa que produce escalofríos cuando uno la ve en las bateas, con un libro de fotos inéditas, acceso a descarga del disco en digital y en alta definición: ¿Cómo y los CDs no son en alta...?

También se ha editado en vinilo de 180 gr.

¿Qué contar de ese álbum en 2010? Que aún sigue siendo una maravilla, que los temas son de una calidad extrema y que no ha perdido frescura a 37 años de su lanzamiento original.

Es el disco que da la pauta del porqué del éxito ininterrumpido de Paul McCartney, es que aquí el bajista de la pretty face vuelve a ser un Beatle, se sacude la melena y se reconcilia con el Paul del bajo hoffner, haciéndolo sonar como en las épocas del álbum Abbey Road de Los Beatles, cantando melodías que remiten a Beatles, con una banda desmembrada que suena como si fueran muchos más.

Vi a Paul hace unos días tocando algunos temas de este disco en el show de Jools Holland y se me erizó la piel, como cuando en 1974 entré a una disquería de mi pueblo natal y pedí "Dame Banda en Fuga, el último de Wings..."

Escuchen esta nota en el programa "Universo Beat":
http://www.goear.com/listen/f6c3b10/programa-74-13nov-universo-beat-am-colonia

UNA CASA BIEN TOMADA

2010-10-26T04:49:00.001-07:00

Neil Finn es un músico neozelandés de un lirismo exquisito, comparado tantas veces con Paul McCartney y hasta admirado por éste. Con estas credenciales, nada nos cuesta darle una escuchada al sexto y más reciente disco de su banda Crowded House ¿Se acuerdan?: Don't dream is over, Weather with You, Something So Strong, You better be home soon, Fall at your feet, una interminable cadena de hits de la banda que comanda este señor Finn, quien desde 1985 compone, toca, canta, y produce en ella.

El álbum "Intriguer" es de 2010 y aquí están los mismos músicos que tocaron en Time on earth, de 2007, el anterior disco de CH, es decir: Neil Finn en guitarra y canto, el bajista Neil Seymour y el multi instrumentista Mark Hart se reúnen y graban 10 temas en formato cd, que en su edición deluxe viene acompañado por un DiViDi con el vídeo del making off del disco, donde se puede apreciar cómo componen y tocan en vivo.

Un bajo comprimido que parece mal sonar en los parlantes es el comienzo del disco con "Saturday Sun", una canción que podría haber sido compuesta en 1967 por alguna banda psicodélica o en 1995 por unos Oasis muy inspirados.

"Archer's Arrows" es una melodía larga y sinuosa con coros y efectos que nos aproximan a un Sgt. Pepper´s vuelto a construir....

"Either Side of the World" es el primer single del disco y muestra la maestría de Finn y su grupo para hacer crecer una canción y alegrarnos el corazón con tan buen groove...

Y así se va desplazando este álbum, con melodías, cadencias y ritmos que se entrecruzan, como la absolutamente McCartniana: "Falling Dove", fácilmente identificable con los temas de "Band on the Run" de Wings o "Isolation", que podría haber sido un outtake del álbum blanco de los Beatles.

"Twice if you're lucky" es un hit de pies a cabeza, como los de otros tiempos-, así también "Inside Out" y la que culmina el cd, la bellísima "Elephants" nos acercan al Neil Finn más inspirado, al "mejor compositor de canciones en activo", según Paul McCartney, a quien no le discutiremos nada, porque el Sir sobre estas cuestiones, sabe bastante...

Marcelo Castello para Universo Beat

http://www.goear.com/listen/6a6220e/programa-71-universo-beat-am-colonia

LAS RAÍCES DE JOHN

2010-10-17T08:06:00.001-07:00

Cuando Phil "The killer" Spector se enteró que John Lennon estaba en Los Angeles, California, se comunicó con él para ponerse a su disposición, también muchos músicos de la costa oeste quisieron tocar en el nuevo disco de Lennon.

En esos años (1973/75) la nostalgia era un gran negocio, se había estrenado recientemente el film "American Graffiti" de George Lucas y por TV daban una especie de "spin off" de la película, que era la serie "Happy Days", todo ambientado en los primeros '60, años de naciente y puro rock and roll. Hasta John y su (en ese momento) asistente y pareja May Pang habían asistido al set donde filmaban" Happy Days".

En ese entorno nació el proyecto "Rock 'n' Roll", que sería el nuevo álbum de Lennon para Capitol/Apple Records.

Aprovechando la movida, el editor musical Morris Levy, que tenía en su compañía los derechos de publicación de las canciones de Chuck Berry, entre otros autores, vio un filón. Recordó que Lennon había compuesto y cantado con los Beatles un tema en el álbum Abbey Road (Come Together), que tenía ciertas similitudes con "You can catch me" de Berry, y hasta compartía una frase: ("Here come old flat-top"). Entonces le hizo juicio.

Lo que buscaba Levy, además de dinero era una buena dosis de publicidad con Lennon como soporte y finalmente llegó a un acuerdo con el ex Beatle y acordaron ambos en que Lennon publicara tres canciones de su editorial musical, uno de ellos era, precisamente "You Can Catch Me".

Las sesiones de "Rock 'n' Roll" comenzaron bien, pero se fueron torciendo enseguida, Spector llegó un día al estudio de grabación donde Lennon ensayaba y disparó un tiro al techo dañándole la audición a John, otra vez Lennon, borracho derramó whisky en una de las consolas del estudio de A&M Records, inutilizándola, lo que le valió la expulsión del estudio.

Un mal día Spector desapareció con las cintas master del futuro disco y cada tanto lo llamaba a Lennon por teléfono amenazando con destruirlas, hasta que finalmente con la mediación de Al Coury, entonces presidente de Capitol Records y previo pago de 90.000 dólares, pudieron recuperarlas.

El proyecto "Rock 'n' Roll" quedó postegado, mientras John Lennon se disponía, con material nuevo a grabar un nuevo álbum, que fue "Walls and Bridges".

Como el tiempo pasaba y John tenía que sacar disco nuevo, incluyó una toma de un minuto cinco de la canción "Ya ya", (del repertorio que administraba Levy) con Julian Lennon de once años en la batería comenzando con una frase que fastidió a Levy: " Sentémonos en el la la (la intro de Ya Ya) y quitémonos esto del medio..."

Morris Levy volvió a amenazar a Lennon con hacerle juicio y John, para probar que estaba trabajando con el material de su propiedad, le dio una cinta en crudo de lo que iba a ser el álbum "Rock 'n' Roll".

Levy tuvo una idea, con el material que Lennon le había dado, hizo un LP completo que lo vendía por correo con su propio sello Adam VIII, y lo sacó a la venta en enero de 1975 con el nombre de "Roots, John Lennon sings the great rock and roll hits", pasando por encima de Capitol y de Apple Records.

Hasta incluso John estuvo de acuerdo en filmar un comercial de TV promocionando su nuevo álbum.

Capitol y Apple, por supuesto, no aprobaron el arreglo entre Lennon y Levy y le exigieron editar el disco amenazando a Lennon por incumplimiento de contrato.

Pero el disco "Roots..." salió igual, y se vendieron una buena cantidad de copias,

Levy finalmente demandó a EMI/Capitol y Apple por 42 millones de dólares, y en junio de 1976 todos se vieron las caras en el tribunal de New York, pero le salió el tiro por la culata, si bien le pagaron una ínfima cantidad por el "homenaje" de Lennon a "You Can Catch Me" en el tema "Come Together" de The Beatles, Levy tuvo que indemnizar a EMI con 109.000 dólares por pérdida de ingresos, y a John Lennon, con 42.000 dólares por daño a su reputación, debido a la deficiente calidad de audio del disco "Roots..." (algunas de las pistas fueron aceleradas para que cupieran más en el vinilo) y por la horrible portada del álbum.

Se editaron 3.000 copias del disco y hasta Lennon se quejó de la mala distribución del LP, lo pidió y el correo se lo entregó recién un mes después.

Hoy es uno de los discos con mejor cotización en el mercado de "bootlegs", en muy buen estado se puede conseguir previo pago de 2.000 dólares.

En este link pueden escuchar el programa nº 70 de "Universo Beat", con Marcelo Baltar y Emanuel Shusses, donde inauguramos la sección "Pasión de Plástico" :
http://www.goear.com/listen/065e720/programa-70-16-oct2010-universo-beat-am-colonia

OCHENTOSO

2010-07-24T13:13:00.000-07:00

Mostrando a mis amigos de Facebook alguno de los artículos que voy escribiendo en este blog, uno de ellos casi se disculpa por usar el adjetivo del título en esta entrada, que de primera puede parecer despectivo, pero no lo es. Tuve la suerte de ser jovencito durante esa década y de conocer infinidad de gente que luego engrosarían mi lista de amigos.
Fue en 1981 cuando terminé la escuela secundaria (instituto) y fue al año siguiente cuando tuve que hacer obligado el puñetero servicio militar, dos meses después que terminara la guerra de Malvinas, fue también en esa década cuando me recibí de diseñador gráfico y empecé a trabajar en el medio del rock argentino, diseñando revistas, portadas de discos, anuncios en los diarios de conciertos, posters...
Tuve la dicha de hacer todos los anuncios para Luis Alberto Spinetta cuando presentaba el disco "Tester de Violencia".
Esta vez me voy a centrar en una anécdota de cuando me tocó hacer la adaptación de los afiches (posters) de "The Concert For The Human Rights Now!", el gran concierto que varios artistas como Peter Gabriel, Bruce Springsteen, Sting o Tracy Chapman dieron en Buenos Aires, Mendoza y que antes habían pasado por ciudades de Europa y Estados Unidos llevando la consigna del respeto por los derechos fundamentales del hombre.
El show en Argentina se llamaría "El concierto por los Derechos Humanos ¡Ya!" y yo carecía de la información gráfica suficiente, sólo tenía la referencia que venían en los faxes que llegaban de Londres y que contenían apenas el dibujo del hombre rompiendo una pared y unas letras escritas a mano en baja calidad. Nada más que eso.
El tiempo no estaba de mi lado, Daniel Grinbank, el organizador del evento me reclamaba el diseño para dentro de dos días y yo estaba en serios problemas.
Al día siguiente, en estado de sopor, no encontraba la gráfica original, porque mi idea era hacer el diseño tal cual lo había visto en una revista inglesa, unos meses antes cuando ni me imaginaba que me iba a tocar semejante responsabilidad.
Ese día, la redacción en la que yo trabajaba, y donde se hacían varias revistas musicales, hervía: periodistas que iban y venían, teléfonos que sonaban, gente al borde de un ataque de nervios.
De repente lo veo al periodista de rock Sergio Marchi, que en ese momento era el jefe de redacción, con un New Musical Express (periódico musical inglés) de unos meses atrás, en su escritorio y se me ocurre pedírselo. Marchi, muy solícito me lo acerca y lo empiezo a hojear, allí entre las páginas finales me encuentro con el anuncio original del concierto de Amnesty en su paso por Londres.
No era un anuncio a página completa, sino que estaba junto a otros de diferentes shows, pero sí estaban el dibujo y las tipografías escritas a mano bien impresas, que yo necesitaba como agua de mayo.
Respiré profundo y lo fotocopié ampliando lo más que podía.
Al día siguiente le llevé a Grinbank los originales con una satisfacción que se me salía del cuerpo, eran dos posters diferentes, y el segundo,tenía algunos artistas locales distintos , ya que el concierto de Mendoza estaba hecho para el público chileno, que para verlo tenía que cruzar la cordillera porque en ese momento estaba aún sufriendo la dictadura del asesino Pinochet, que había prohibido un evento donde se reivindicaban los derechos humanos y los donde un puñado de enormes artistas lo exigían para ¡YA!.

VLADIVOSTOK

2010-07-06T06:26:00.000-07:00

Aldo Maffei, te mando al frente. Desde este medio, con estas palabras, fuiste el culpable de contagiarme el virus de la música, o mejor dicho de hacer que el que ya tenía, se me expandiera al mil por ciento.
Este tipo fue el culpable de que mi discoteca creciera y se multiplicaran los vinilos en mi colección, por un extraño arreglo comercial entre él y yo, por aquél entonces un teen de trece añitos.
Una tarde del incipiente verano de 1976, cual tras él llegarían largos tiempos tormentosos en la historia argentina, un veinteañero con pelo a lo Art Garfunkel, le insiste a mi padre que le alquilara el local desocupado que había al costado derecho de mi casa, en Marconi 69, El Palomar. Y mi viejo, que no, que no me interesa.
No sé cuándo pasó pero al rato estábamos el tío este, mi viejo y yo, sentados en el living de mi casa y unas horas después, mi padre alquilándole el local.
Bastaron unas pocas semanas para que se abriera, allí mismo, la segunda disquería con que contaría el barrio, ya que muchas otras ya habían fenecido y sólo quedaba la de la galería de El Palomar, que le llamábamos "la compe".
Yo, que ya me las daba de creativo, le había diseñado un loguito con la marca: "Orange" y la naranjita con hoja en el cabo, (muy Apple Records), acorde.

Cuando Aldo la vio, se cagó de risa y me dijo, no, pibe, yo ya tengo el nombre: "Vladivostok..." y me explicó que le parecía mejor que orange, porque nadie diría oransh, sino tal como se leía y que le sonaba a "Horangel", asunto zanjado.
Días después se apareció con un sello de goma enorme con el nombre en mayúsculas: VLADIVOSTOK y abajo la dirección, que estampábamos sin piedad en las contratapas de los vinilos y en la galleta de los simples que salían de esa disquería, sólo se salvaban las plastificadas, a ésas le ponía el sello en los sobres internos, que en esa época (ya de austeridad) comenzaron a ser simplemente de papel blanco reemplazando a los sobres ilustrados y que incluían las letras de las canciones de las ediciones en los primeros años setenta.
Una vez que terminó ese verano, Aldo, que también trabajaba en General Motors, por un conflicto de horarios entre sus dos ocupaciones, me ofrece que le atienda la disquería por las tardes, como yo estaba libre en ese momento y que si bien, en principio no me podría dar un sueldo, a cambio yo tenía acceso a cualquier disco que quisiese, e incluso podía incluirlos en los pedidos de discos si quería algo que no estuviera en el catálogo.

A mis thirtheen, todo eso me fascinó y acepté.
Cada semana tenía cinco o diez discos más en mi discoteca, eso duró casi un año.
Así fue que adquirí Presence, ni bien salió, Houses of the Holly, (también de Led Zeppelin), Yessongs, Close to the Edge de Yes, Burn!, Machine Head, Made In Japan de Deep Purple, The Dark side of The Moon, Wish You Were Here de Pink Floyd y muchísimos más: varios de esos ejemplares los conservo en Buenos Aires, otros volaron en épocas de crisis en el Parque Rivadavia, allí fueron a parar muchas de esas joyas que aún hoy añoro.
En la disquería recién inaugurada me encargaba, además de la atención al público, de los pedidos de discos, algo que era muy común por aquel entonces, que el disquero te sugiriera encargar tal o cual disco que no tuviera en ese momento y traerlo al día siguiente. Método que funcionaba muy bien y que casi todos aceptaban, dejaban una seña y al otro día con el disco en la tienda, terminaban de pagar.
Para ser una disquería de barrio tuvimos días de excelentes ventas:
Vendimos para el día de la madre de 1976 unos quinientos ejemplares de "El Amor" de Julio Iglesias en un fin de semana y otros tantos o más de su disco siguiente, "América". Housekeepers bonaerenses al borde de un ataque de nervios, aplacándose con el crooner español.

Trabajábamos con el Centro Cultural del Disco, con Babush, de Santos Lugares y con otra distribuidora de Caseros, que no recuerdo el nombre. Hacíamos los pedidos por teléfono, y al rato venían con una caja de corrugado y los simples y LPs según una lista que les habíamos dictado.
El del Centro Cultural, venía en un falcon azul impecable como el tipo, que siempre vestía de traje, con el pelo corto, engominado y tenía alguna anécdota que contar, con una mina distinta cada vez.
Pocas veces me tocó ir a buscar discos a los distribuidores porque casi siempre los traían ellos, aunque en días de mucha venta se congestionaban y finalmente me tenía que ir al centro o a Santos Lugares y regresaba con mi paquete de discos en el tren San Martín que paraba a unos pocos metros de casa.

Llegó el verano del '77 y Aldo volvió a hacerse cargo de las tardes en Vladivostok, - la disquería que tenía una columna de cuatro wooffers que se escuchaba hasta la estación - (a 50 mts. de allí) y yo la fui dejando paulatinamente, porque empezaba la escuela secundaria y tendría las tardes ocupadas.
Al tiempo a Aldo lo echan de General Motors y se dedica por entero a la disquería, y un año después se la vende a un corredor de seguros, que finalmente la reconvertiría en una gestoría.

Nunca más supe de la vida de Aldo Miguel Maffei, que con una labia excepcional convenció a mi viejo a que volviera a alquilar el local, otrora trastero de la casa. A partir de ese momento, nunca más quedó vacío, hasta los días finales de la casa de Marconi (hoy Banco Piano) ese local estuvo alquilado.

Así que ya sabés Aldo, hacete cargo porque esto no tiene fin, aunque le pongan el formato que le pongan y aunque deploro la digitalización del sonido como única opción, aún sigo enganchado a las grabaciones, son como una adicción, y en esto se me ha ido con el tiempo, mucha guita.
Ahora comprendo Aldo, de qué iba ese negocio macabro de darme los discos en lugar de la pasta para que pudiera yo hacer lo que quisiera con ella, me ataste a la dictadura del sonido grabado, porque durante los '90 me compré infinidad de cds (soporte que odié siempre) y que llevo una década comprimiendo esas mismas grabaciones para tenerlas juntas en un solo lugar. ¿Además de GM, trabajabas también para SADAIC? (La SGAE argentina).
Bromas aparte, guardo un grato recuerdo de este tío, que sin quererlo, puso un hermoso matiz en mi adolescencia, en un año terrible para Argentina, viviendo en un barrio del Gran Buenos Aires, donde en un perímetro de mil metros, había tres unidades militares con barrio incluido, qué miedo daba.

40 AÑOS SIN LOS BEATLES

2010-04-10T02:35:00.000-07:00

Un día como hoy, hace cuarenta años, Paul McCartney daba el portazo y anunciaba: "Me voy de The Beatles, por diferencias personales, musicales y de negocios", una semana después del triste anuncio lanzaba "McCartney" aquel rudimentario primer disco solista del bajista de la cara guapa.
Después vinieron las demandas, los piedrazos indignados de George y Ringo a la casa de Paul, el reportaje a John Lennon donde sentenció la frase que lo resumía todo: "El sueño terminó".
Era muy pequeño cuando todo esto pasaba, pero recuerdo a la gente hablar de la separación de los Beatles con la misma tristeza de cuando muere un ser querido.

En 1975 sí tenía edad para subirme al revival mundial de Los Beatles, los días en que Paul McCartney había confesado a un reportero que "Sólo se reunirían por la música" y que había invitado a John Lennon a participar del próximo disco de Wings, que se llamaría "Venus & Mars", justo dos grandes astros.
Aunque los planes de McCartney nunca se pudieron cumplir: John estaba viviendo en ese entonces los últimos estertores de su "fin de semana perdido", que así llamó al tiempo que estuvo separado de Yoko Ono y tutelado por su secretaria/novia May Pang que sí apoyaba la idea de que los Beatles volvieran a unirse.
Un día antes de la cita con Paul, Lennon vuelve a New York a los brazos de Yoko y nuevamente el sueño se desvanece.
Paul graba "Venus & Mars" con su banda Wings y todo queda en el olvido.

El 8 de diciembre de 1980 muere John Lennon a consecuencia de los balazos que le pegó el idiota de Mark David Chapman.
Y ahí sí que definitivamente el sueño terminó.

Hoy los Beatles venden mucho más que en sus años de actividad, el año pasado, la reedición de toda su discografía oficial remasterizada fue todo un éxito para EMI, el sello discográfico que aún posee la licencia para editar sus discos.
Es increíble (pero cierto) que un grupo de pop rock mantenga su leyenda y vigencia a cuarenta años de su definitiva disolución, algo de lo que nos dejó su imagen de juventud eterna, de música clásica contemporánea.
Larga vida a los cuatro de Liverpool, los Fab Four, los mejores del barrio que un día se fueron a Londres y conquistaron hasta el último rincón del planeta.
En 1962 y en 2010 también.

FITITO PÁEZ Y RICARDO CACONA: Enemigos Íntimos II, El Regreso...

2010-04-07T02:38:00.000-07:00

Hace unos días el cantautor argentino Rodolfo "Fito" Páez, encendió la mecha de la discordia cuando se refirió a la decadencia de los valores culturales en Argentina expresando lo siguiente: "...Si la ciudad (Buenos Aires) le da 35 Luna Parks a Ricardo Arjona y a Charly García le da dos, tenés que pensar qué significan la política, los diarios, en esa ciudad, en la que hay valores que fueron aniquilados".
El guatemalteco no se hizo de rogar y escribió inmediatamente una carta a modo de respuesta que fue publicada por el diario Clarín de Buenos Aires, allí descargo:
“...El sr. Fito Páez habla de aniquilación cultural y me menciona. De forma sospechosa señala el inicio de este problema en su país casi de manera simultánea con el descenso claro de su capacidad artística“.
Y al final, pegó el demoledor cross de derecha en la semi barbuda mandíbula de Fito Páez con estas palabras:

“Puede ser que usted mismo se crea su farsa de intelectual osado, pero detrás de su arrogancia habita el irrespeto dictador de creerse dueño de las decisiones populares… La música no pertenece a las competencias de atletismo donde se miden las capacidades contra reloj, es un asunto de gustos y de emoción"."...Ya quiso usted ser Charly García, después quiso ser Almodóvar. Lamentable lo suyo señor. Lamentable …"
Hace tiempo que Fito se sentó "al costado del camino" para ver cómo los demás mortales hacíamos las tareas cotidianas, durante ese tiempo no sólo nos observó con asco por ser tan normales sino que no entendió cómo no podíamos ser tan geniales como él.
Así le ha ido desde entonces, creo que perdió el tiempo haciendo vida de rock star y se olvidó que estaba allí en ese firmamento, tan alto porque hacía canciones hermosas, poéticas, inolvidables.

Cuando vuelvo a escuchar "Yo vengo a ofrecer mi corazón", aquí desde tan lejos, los pelitos de mis brazos se empinan como los de un gato enojado y es por puro placer, esa alianza perfecta entre la melodía con aires folclóricos y la letra tan sentida me producen eso.
Lo seguí hasta "El Amor Después Del Amor", su último disco entero, porque de los siguientes bien se pueden rescatar canciones aisladas, -convengamos que el nivel artístico de Páez decayó considerablemente y eso comenzó a pasarle hace ya dos décadas-.

En los 2000 tampoco sacó ningún disco que realmente valga la pena y también hay que decir que "Cada día canta peor".
Hace unos años vino como invitado a un festival aquí en España, daba vergüenza ajena oirlo pegar esos alaridos desafinados que Pedro Guerra (cantautor canario) intentaba tapar haciéndole coros.
Es penoso tener que darle la razón a un señor muy listo como es Arjona, que encontró su nicho en mujeres maduras cantándole a sus miserias cotidianas y ellas, muy agradecidas le llenan estadios, hacen coros y le arrojan bragas al escenario.
Porque Arjona no es más que eso, un oportunista que está en su mejor momento de popularidad, haciendo lo que mejor hace, reírse en la cara de su propio público, con su rima fácil y sus escatológicos temas.
Lo triste de todo es que Fito Páez no lleva la razón consigo, porque es verdad que ya hace mucho tiempo se volatilizó su inspiración, la decepción está en que muchos creíamos que teníamos un genio en ciernes, cuando en 1983 con 20 añitos recién cumplidos, nos volaba la cabeza con su disco debut "Del '63".
Y así siguió pasando los '80, con discos fundamentales, hasta que llegó el cambio de década y con él vino "El Amor Después Del Amor", que aún incluyo entre los mejores del rosarino.
Mi primera sospecha fue cuando vi por primera vez el final de aquel vídeo superproducido del tema "Circo Beat" donde Fito, disfrazado de saltimbanqui miraba a la cámara y con un gesto de autosuficiencia nos desafiaba: ¿"Quieren más..."?
Y.. sí, queríamos más, pero todo tuvo un final, todo terminó y seguimos esperando que nos diera (nos vendiera, en realidad) su obra maestra, no esperábamos mucho, este muchacho nos dejó canciones como "En la cuerda floja", La vida es una moneda", "Tres Agujas", y podría citar una infinidad de canciones con una poesía sublime y de hermosas melodías.
Sin embargo Fito, en lugar de tratar de crecer se dedicó a sentar cabeza.
Hoy no es él un interlocutor válido para criticar a Arjona, no tiene resto artístico actual para hacerlo, va tirando de su catálogo que es lo único que está pudiendo hacer.
Porque, parafraseando a un catalán, parece ser que las musas han pasado de él, andarán de permanentes vacaciones.

TREINTA DÍAS EN LA VIDA

2010-03-10T06:38:00.000-08:00

La historia fue revelada hace unos años por el periodista David Fricke de la revista Rolling Stone: En 2003 roban en Londres unos carretes conteniendo cintas de audio. Investigadores ingleses y holandeses siguen el caso durante un par de años ya que el material sustraído daba para mucho.
Se trataba de un robo perpetrado en Londres y un botín que es llevado a Amsterdam y celosamente guardado en un galpón.
Cuando la policía holandesa dio con el material, detuvieron a varias personas, acusadas de robo y tenencia de "material ilícitamente adquirido".
Los carretes eran 500 en total y poco tiempo de ser devueltos a sus dueños originales, la noticia salió en el Rolling Stone, en el artículo de Fricke se reveló el contenido de las cintas, que eran ni más ni menos que la totalidad de los ensayos que Los Beatles llevaron a cabo durante el todo el mes de enero de 1969, entre los Twickenham Film Studios y los - en ese momento - recién estrenados estudios de Apple Records, ubicados en el número 3 de la calle Savile Row en Londres.
¿Y qué es lo que se cuece en esas grabaciones?
Pues lo mejor y o peor de una banda que estaba renaciendo y agonizando al mismo tiempo.
El sonido registrado en las cintas es por momentos excelente y en otros se pierden detalles con el sonido ambiental, claro, estaban grabando el audio directo en una grabadora mono de marca Nagra, para luego sincronizar el sonido que iba a ser editado en breve, en aquellos momentos de desolación y hastío, donde ninguno de los tres otros Beatles tenía real gana de seguir con aquello, ni con el documental para TV que McCartney ya había apalabrado que emitiría la BBC, ni con el disco que iban a sacar como banda de sonido del documental, y que ambos se llamarían Get Back.
Nada de eso fue lo que pasó, sino que el penúltimo disco oficial de la banda Abbey Road se adelantó y fue editado antes del material que registraron los Beatles durante enero del '69 en esas ásperas sesiones de grabación.
¿Hay registro de todo esto en forma de "bootleg"?
Sí, lo hay desde 1974, con la edición de uno de los primeros bootleg de los Beatles: Sweet Apple Tracks, allí, algo del contenido de las "Nagra Tapes" había sido desvelado.
Luego, ya en décadas del cd, aparecieron varios bootleg en ese formato, con otras partes del material grabado.

Hace poco ha salido un box set llamado: Thirty Days y está editado por Vigotone, un sello especialista en Bootlegs de los Beatles.
Es una colección de 16 cds con la totalidad de las grabaciones de enero del '69, y la adición de un disquito más con la primera compilación que el productor Glyn Johns les enseñó a los Beatles y que ellos rechazaron, así como una segunda también, (ésta no está incluida, pero Vigotone la compiló en otro doble cd: The Glyn Johns Final Compilation)
Tanto rechazo hizo que Johns abandonara el proyecto para siempre quedando los acetatos y las cintas abandonados en EMI.
Entonces editaron primero Abbey Road, mientras decidían qué hacer con todo aquel material.
Los tres Beatles, menos Paul le confiaron las cintas a Phil "Convicto" Spector, que al parecer se cortó las manos y perpetró la mezcla y selección con los muñones.
Porque el resultado no podía ser menos satisfactorio, coros, wall of sound por doquier, orquestaciones de salón de fiesta, y todo al servicio del disco que iba a ser el regreso a las fuentes de la banda más importante del mundo.
Sin embargo lo que quedó del material registrado en enero de 1969, fue el disco Let It Be, la obra póstuma de los Beatles, el epitafio barato escrito en la tumba de cartón, según lo definía en el momento de su lanzamiento el periódico musical inglés New Musical Express.
Nadie quedó conforme con ese disco, ni la indolencia de John que lo consideró "La mierda más grande jamás grabada" ni las críticas de Paul, que opinó que el trabajo hecho por Spector fue de "carnicero". Los demás ya estaban en otra: George, festejando poder editar las canciones que quisiera, sin las restricciones que John y Paul le ponían cuando presentaba una nueva, y así fue que lo hizo: All Things Must Pass, su primer álbum fue triple, vaya si tenía material acumulado.
En su momento Harrison declaraba en una entrevista: "Es como estar mucho tiempo estreñido y de repente tener diarrea". Marche una metáfora, y Ringo grabando standars de sus artistas favoritos.
La cintas de la grabadora Nagra nos muestran a los Beatles en un momento en que sólo Paul se llevaba la banda al hombro.
Se escuchan diálogos, por momentos de gran tensión personal, como Harrison diciéndole a McCartney, "Tío, sos un tipo lleno de mierda..." y lindezas por el estilo.
Pero también hay momentos gloriosos en la colección Thirty Days, y son cuando los Beatles zapan viejos hits del rock and roll o Paul versiona I'm So Tired, la canción de Lennon incluida en el álbum blanco, hay mucha música y de la buena flotando entre tanto pleito y mala onda. En otros, parece que los Beatles iban al estudio por obligación: Lennon declaraba en un reportaje de 1971: "Sentía como que estaba yendo a un trabajo, ir a las 8, 10 de la mañana a ese galpón congelado, con esas malditas luces de colores, quién puede estar inspirado así..."
Cuando canturrean sus viejos éxitos, bromean entre ellos, la tensión no se percibe. Vuelven a ser los mejores haciendo lo que mejor saben hacer: puro Rock and Roll.
En enero de 1969 los cuatro prácticamente no se dirigían la palabra, su proyecto Apple sucumbía estrepitosamente, hablaban más sus respectivos abogados y contables que entre ellos.
Por eso siempre habrá que destacar el profesionalismo de esos cuatro músicos que en pésimas relaciones personales y económicas se dieron lugar para crear la obra maestra Abbey Road, dejando a un lado todo este material, que para ellos no eran más que esbozos impublicables.
Hace unos años, cuando editaron el innecesario Let It Be Naked, las "Nagra Tapes" iban a servir para complementar el lanzamiento mundial del film Let It Be en DVD, pero todo quedó para otro momento. Cuando le preguntaron a Yoko Ono cuál sería el destino de las cintas respondió. "Si no hacemos nosotros algo con este material, terminará saliendo en discos piratas".
Qué profética esta Yoko.

SALVANDO A ABBEY ROAD

2010-02-25T12:06:00.000-08:00

En el diario El País (España), días atrás publicaron una nota del periodista Diego A. Manrique donde comentaba la cruzada de artistas que se armó en Inglaterra, (menos Roger Daltrey, partidario de la demolición) a favor de conservar los estudios de grabación Abbey Road tal cual están están en el presente. Que es más o menos como estaban antes, cuando grandes músicos entre los años 60 y 70 le dieron el prestigio que ahora tienen y los hicieron la poderosa marca que hoy son, (más valiosa aún que el carísimo inmueble que los contienen y todo lo que hay allí dentro), llevando el nombre de la calle donde desde 1931 funcionan.
Allí se grabaron desde discos de propaganda bélica durante la segunda guerra mundial, o actores como Peter Sellers contando chistes, hasta lo más granado de la música popular mundial.

En los últimos 50 años los Abbey Road Studios han visto entrar a Cliff Richard, (que se disputaba con Paul McCartney el célebre estudio 2, a tal punto que McCa se hizo construir una réplica del mismo bastante cerca de allí), The Shadows, The Beatles, (toda su discografía fue grabada ahí, menos Let It Be), Pink Floyd, Syd Barrett, The Zombies, Al Stewart, David Gilmour, Kate Bush, Alan Parsons, U2, Paul McCartney...hasta Gustavo Cerati o Divididos grabaron en ARS.
Una cantidad de músicos enorme o una cantidad de músicos enormes, porque la calidad siempre fue un requisito para entrar y grabar su música dentro de esas míticas paredes.
Curioso dato: Ni John Lennon, George Harrison o Ringo Starr grabaron siquiera uno de sus discos solistas en el estudio.

Abbey Road integra el "tour beatle" londinense, of course, claro, allí grabaron casi toda su música y hasta se sacaron la foto que inmortalizó ese paso de cebra, a escasos metros, ilustrando sus últimas canciones, horneadas ahí mismo, ese paso por donde hoy siguen llegando hordas de turistas cruzando al revés que ellos esa calle, viniendo de la estación de metro para volver a cruzarla para sacarse la foto como los Beatles, parando el tránsito, molestando una y otra vez a los conductores que ya no deben entender la fascinación recurrente del curioso (fan beatle o no) por llegar a esa particular meca.

En Abbey Road Studios, propiedad de Electrical and Musical Industries, los turistas no entran, llegan hasta la verja. Las fotos que se conocen de su interior son las oficiales, no hay visitas guiadas, ni nada que se le parezca, lo más parecido, es que dejan grafitear las paredes que contienen las verjas que encierran el edificio y así inmortalizar la visita.

Para ir más allá hay que ser músico -y de los buenos- pagando por los servicios que allí se ofrecen, que además del más calificado personal técnico, incluyen software de grabación, restauración de grabaciones antiguas, remasterización digital y todo en convivencia con equipos a válvulas y tecnología analógica.
El intento de venta de los estudios de Abbey Road por parte de EMI encendió el debate en el Reino Unido. Por un lado, los músicos e intelectuales en defensa de mantener el edificio y las instalaciones como están y por el otro, los más liberales, partidarios de vender a toda costa un inmueble emplazado en una de las zonas más caras y bellas de Londres (St. John's Wood), a cualquier magnate con el talonario presto. A estos, paradójicamente se les unieron los defensores del intercambio gratuito en formato mp3, opinando que hay que rematar la casona en pos de mejores usos.

Paul McCartney, a quien de malos modos se lo instó a la compra y salvataje del estudio, se le ocurrió la idea de la cooperativa, es decir, que los empleados lo compraran pagándolo con su trabajo.

Finalmente EMI desistió (por ahora) de la venta tras las criticas, el gobierno laborista declaró el inmueble patrimonio histórico y por lo menos ahora no se podrá demoler. Ese mismo trámite hicieron con las casas de John Lennon y PaulMcCartney, que forman parte del Tour Beatle de Liverpool.
En estos tiempos de protools y grabaciones a los pies de la cama, de la autopromoción en Internet por medio de las redes sociales, estudios como Abbey Road, AIR o Electric Lady, han quedado obsoletos, pero no por pequeños sino por demasiado grandes y sofisticados.

Las mismas discográficas apuestan a la autoproducción de los músicos nóveles que contratan, que con los programas de edición digital actuales pueden grabar sus futuros hits a bajos costes.

Sólo los artistas consagrados tienen la posibilidad de contar con buenos estudios, avezados productores, grandes presupuestos.

No todos los músicos pueden alquilar micrófonos profesionales dentro de esas maravillosas salas, mezclados por ingenieros de sonido en interminables mesas con miles de botones, allí donde un disco tenía por lo menos, la garantía mínima de buen sonido.
Esas sutilezas, en los actuales estándares de reproducción de la música, no se perciben.

ESE OSCURO OBJETO DE DESEO

2010-02-15T06:07:00.000-08:00

Cuando era jovencito, iba a las disquerías entre dos y tres veces por mes a comprar LPs.
En la época de la infame importación libre de Martínez de Hoz (años '77 a '79), en cualquier casa de discos de barrio se encontraban verdaderas joyas de oro negro, la mayoría importadas de los Estados Unidos, pero también había discos ingleses, que si se los buscaba, ahí estaban. Fue el tiempo en que más creció mi colección de vinilos.

En una casa de electrodomésticos, muy cerca de la estación de Caseros, me encontré con "The Lamb Lies Down On Broadway" de Genesis, en otra de Morón (creo que se llamaba "El Hueco"), vi esa foto impresionante de un bajista destrozando su instrumento en escena, con tipografía y disposición iguales a la del disco debut de Elvis-La Pelvis.

Nunca había escuchado nada de esa banda, el disco era doble y en Argentina se cobraba como doble (andá a cantarle a Joe Strummer). Así que por esa foto de tapa compré el "London Calling" de The Clash, si hubiera sido un cd, habría pasado de largo, no la hubiera visto....
Al tiempo ya me aventuraba a ir de Palomar al "centro" a comprar discos, casi siempre terminaba en "El Agujerito" (de Galería del Este) y cuando allí no había lo que buscaba, me iba a la otra sucursal da la calle Maipú.
Volvía a casa en tren con ese disco que olía a ananá, a nuevo, a disco importado...

...Esta mañana quería escuchar un disco nuevo, pero claro, está el P2P...

¿Hay que sentirse culpable por utilizarlo y escuchar ese disco que salió hace unos días, o que va a salir, a los 15 minutos de haberlo pedido? Uf, qué dilema...
Una vez dije en este medio, que quienes nos han puesto en las manos las herramientas fueron los mismos que nos venden su contenido y allí está la primera pata floja del por qué de las descargas "ilegales", el cierre masivo de disquerías y la descomposición del negocio musical tal como lo conocíamos hace 20 años, el de los sellos discográficos.

Es que el soporte instaurado por la industria como estándar se ha quedado obsoleto, corto, es algo que no enamora.
El cd como objeto se ha desvirtuado a causa de la inmediatez y gratuidad que proporciona la red, sí, es cierto, pero también, porque comprar un cd hoy, no significa lo mismo que lo era hace 25 años, el objeto perdió la mística simplemente porque el cd como coleccionable, nunca la tuvo.
El formato LP había evolucionado de tal forma que se había convertido en una obra de arte, el trabajo gráfico de "Sgt. Pepper's...", las tapas caladas de los discos de Led Zeppelin, los paisajes fantásticos de Roger Dean, los montajes de Hipgnosis, (mucho antes del Photo Shop)... y así infinidad de ejemplos.
Era apasionante ir a comprar el último disco de... a ver con qué te encontrabas.
El cd mató al artista del disco, o algo así.

Días pasados alguien en el Facebook, nos instaba a los diseñadores gráficos a hacer arte en los cds como se hacía antes para los LPs y se nos plantea un problema al respecto: el tamaño.

Cuando trabajábamos en el arte de un LP, se hacía de forma artesanal en parte y luego el proceso se industrializaba.
Ahora si bien casi todo el proceso creativo está en manos del diseñador, los 12 X 12 cm del cd no dan mucho de sí, menos si hay que comprimir el "librito" en una caja de plástico, que aunque redondeada, o como digipack, más de allí no evolucionó.
En cambio, la generosa medida de 30 x 30 cm. del LP. daba mucho juego y más cuando se trataba de un albumette (tapa desplegable).

Si había presupuesto, la tapa era doble (o triple), con sobre interno y la galleta del disco acorde con el diseño general, además había que hacer la versión para el casete.

A principio de los 90, cuando los cds fueron reemplazando a los "LPs", lo primero que pasó por mi cabeza fue: ¿Cómo hacer un buen arte es esa medida (12 x 12 cm.)?" y sí, se puede, pero la reducción de tamaño conspira en contra.

Porque el cd ya no es más un objeto de deseo.

Y los mp3 son un buen formato como "muestra", la degustación del manjar, pero no la comida en sí misma.

Se echa de menos ese objeto que íbamos a comprar a la disquería con el corazón a mil, ¿A quién le pasa eso ahora?
Un ejemplo reciente:

Edición de lujo de 13 discos con un contenido musical espectacular: Se merecía otro tratamiento del que EMI hizo con la colección de The Beatles remasterizada, la inclusión de tomas descartadas o material desconocido, ese que guardan en sus "baúles", (y que finalmente se terminan filtrando en la red, como la versión de 11 minutos de "Revolution I").
Está muy bien que hayan mejorado el sonido (que nos lo debían desde hace 20 años) y la muy cuidada edición gráfica -la calidad de los envases se agradece- ¡¡¡Pero no alcanza, nos lo han clavado por más de 250€, la misma música sin ofrecernos nada extra (¡¡¡Uy, gracias por los minidocumentales!!!!).

He estado leyendo por la red que el sonido digital "profesional" ya no cabe en un cd.: los 44100 kHz que tiene el audio estándar son escasos para ser considerados verdadera "High Fidelity", y reproducirlos en un gran equipo, de esos que cuestan más de 15.000 dólares.

Con los vinilos, la inclusión en el pick up de una buena cápsula Shure o Pickering, nos realzaba el sonido y no pagábamos tanta guita.

Pero la industria del entretenimiento, no afloja y por ahora no cambiará el soporte estándar cd, aunque pierda día a día (por las descargas, por vender un formato desfasado en los tiempos que corren y no apostar a los verdaderos artistas, sino al payaso/a teen de moda).

Entonces, para ellos el cd sigue siendo fantástico y actual, (ya que está más que amortizado) y es una locura pretender cambiar de estándar, aunque esto signifique mejorar sensiblemente la calidad sonora, que es lo que antes interesaba , pero la industria se empecina en venderle cds a la generación del iPod que ni les importa la calidad sonora ni la portada del artista del diseño, sino bajarse el último de Hannah Montana en 15 minutos y además, sin tener que pagarlo.
¿Creerá la industria, que más fácil y económico es tratar de cortar el P2P de raíz antes que mejorar el estándar?

Pues por las noticias que llegan de uno y otro lado del planeta parece que sí.
Millonarias multas en dólares por bajar 24 canciones (Una sentencia a una particular que se bajó esa cantidad de canciones con el Kazaa y tras similares noticias aparecen casi a diario).

Aquí en España, donde pagamos canon por todo producto electrónico, para paliar las pérdidas por el intercambio gratuito de archivos con ©, (así nos lo vendieron), pronto se perseguirá la piratería, llegando a cortar la conexión a Internet y hasta se podrán cerrar blogs que contengan, por ejemplo, un vídeo de la banda favorita, si la discográfica lo considera violación de derechos de autor y no sólo podrán cerrar el blog sino que se vislumbran penas más duras.

La Ley está al caer, todo llega tan rápido como la descarga de un disco.

To Be Continued...

LA ROCKOLA DE JOHN

2010-02-10T09:05:00.000-08:00

Año: 1984, subasta en Christie's, un tal John Midwinter, promotor musical de Bristol compra una destartalada "jukebox" (gramola, rockola, fonola) Swiss KB Discomatic ,por 2500 libras esterlinas. La razón de su elevado precio y de que la estuvieran ofreciendo en una de las casas de subastas más prestigiosas del mundo, era porque esa fonola había pertenecido a John Lennon, quien la había adquirido en 1965 y la llevaba donde fuera de gira con los Beatles, portando una colección de 40 discos sencillos con lo que -a su gusto- era lo mejor del rock y del rhythm and blues de la época.
Midwinter no la compró con los discos dentro, pero sí con un papel escrito de puño y letra de Lennon: la lista que se cree, era la de los singles que estaban en la máquina de música.
Tardó algunos años en arreglar el aparato y se dedicó a conseguir (y recargar) los discos que Lennon supuestamente había elegido.
Su idea era hacer una especie de documental contando la historia del famoso jukebox .
Al tiempo, Midwinter enfermó de cáncer, y murió sin ver la concreción del documental que sí fue emitido en 2004 en "The South Bank Show", por canal de televisión inglés ITV, coincidiendo con el lanzamiento del set de 2 cds. "John Lennon's Jukebox" (Virgin), compilación que contiene varios (no todos ni en las mismas versiones) de los singles que Lennon había cargado en su antepasado del iPod.
La selección es de lujo:
Wilson Pickett y "The Midnight Hour", "Rescue Me" de Fontella Bass, "1, 2, 3", temazo de Len Barry, la versión original de "Long Tall Sally", de Little Richard, Bob Dylan, Donovan, Barrett Strong, con el primer single de Motown: "Money (That's what I want)" y Buddy Holly completan el primer disquito del set.
"Be bop a lula" de Gene Vincent, "Twist and Shout" de Isley Brothers, (con quien Beatles compartieron escenario), Larry Williams, presente con varios temas, incluyendo "Bad Boy", The Miracles, The Loving Spoonful y varios más.
Cuando el programa de la radio XM Satellite, "60 On 6", emitió completo el "Lennon's Jukebox", lo presentaron como una muestra de buen gusto musical por parte de Lennon y de pasión por el coleccionismo de Midwinter, que hizo posible que se conociera la música que John escuchaba en las habitaciones de hotel, a mitad de los '60 y durante el descanso de las agobiantes giras de rock and roll sepultado entre agudos gritos de adolescentes.

Pueden escuchar la versión audible de esta nota en "Universo Beat", en este link:
http://www.4shared.com/audio/ePaXBrbq/PROGRAMA_80__25-12-2010_.html

PADDY

2010-02-02T02:53:00.000-08:00

Días atrás, una canción me andaba rondando en la cabeza y al rato me di cuenta que era "Cowboy Dreams", de la agrupación inglesa Prefab Sprout, una banda que no pudo brillar todo lo que se merecía y quedó reservada en el estante de los sibaritas.
Su mentor: Paddy McAloon, quien allí componía, cantaba, tocaba la guitarra y coproducía.
Con su voz de crooner pop, sus exquisitos solos, más cercanos al buen gusto que al virtuosismo y los acertados arreglos en sus canciones hacían de Prefab Sprout una banda que solían pasar las FM AOR, sí, aunque en cada disco también se podían encontrar gemas escondidas, esas que no se cortaban como "hit single", pero probablemente eran las mejores canciones.
Su segundo LP se llamó "Steve McQueen", lo produjo Thomas Dolby y fue lanzado a la venta en UK y el resto del mundo en 1985.
Los fans de los Estados Unidos tuvieron que esperar que se resolviera un entuerto entre la banda y la hija del difunto actor norteamericano, que les quería hacer juicio por apropiación indebida de nombre.
Cuando salió en la Unión, le cambiaron el título sobre la misma foto de portada de la edición inglesa.
Así que "Steve McQueen" y "Two Wheels Good" (su título en la edición U.S.A.), convivieron por años en las bateas de discos con las mismas canciones en sus tripas, -el cd de la versión americana tiene dos bonus tracks-.
El tercer disco se demoró un poco, unos tres años, porque aunque tenían grabado y listo uno, la discográfica (CBS) decidió archivarlo y editarlo tres años más tarde.
Necesitaban el urgente rompe listas y vaya que si lo tuvieron: "From Langley Park To Memphis", el siguiente: salió en 1988 y fue su LP más exitoso, con músicos como Stevie Wonder y Peter Towshend de invitados.
Lo que hizo que el disco trepara en los charts fue inclusión de temas como "The King Of Rock And Roll", "Hey Manhattan" y "Cars And Girls", (con una letra que menciona burlonamente a Bruce Springsteen).
1990 es el año de "Jordan: The Comeback", nuevamente producido por Thomas Dolby, es considerado como el mejor LP de Prefab Sprout.
Otra vez las críticas lo pusieron por los cielos, mientras las ventas no se correspondían.
El siguiente: "Andromeda Heights", data de 1997 y no cuenta con la voz ni la presencia de Wendy Smith, co-vocalista y ex fan del grupo que un día fue a una audición, ganó y formó parte de él hasta que lo dejó.
Luego de unos años de silencio, Prefab Sprout edita "The Gunman and Other Stories", en 2001, una aproximación bizarra de un inglés al country music, producido por Tony Visconti.
Este iba a ser el regreso de la banda por todo lo alto, la crítica falló a favor, pero de nuevo faltaron los compradores masivos.
Con el nombre de Prefab Sprout, Paddy Mc Aloon siguió grabando hasta entrados los 2000 aunque su época de éxitos había pasado.
En 2005 colabora interpretando varios de sus grandes éxitos con Prefab Sprout en formato acústico, para un segundo disco de lo que luego sería la edición "Legacy" de "Steve McQueen", de 2007 -extendida y remasterizada-.
Poco tiempo después le diagnosticaron un desorden neurológico que desnivelaba su visión afectando la retina y además le alteraba la audición en un oído.
Sin embargo Paddy editó poco tiempo después su primer (y único álbum solista): "I Trawl The Megahertz".
Actualmente también sufre de la enfermedad de Menière, que también afecta a visión y oído .
Hay una entrevista traducida al castellano, muy reciente en este link:

http://www.ultrasonica.info/index.php/entrevistas/68/3372-prefab-sprout-11-2009.html , donde repasa los días de gloria de la banda y su presente.

2009 nos trajo una sorpresa (aunque con trampa): el regreso de Prefab Sprout con nuevo disco: "Let Change The World With Music", que marca la vuelta también a su discográfica inicial: (CBS, hoy Sony).

Pero... el disco es en realidad la edición de demos pos-producidos que Paddy McAloon había grabado para lo que iba a ser el sucesor de "Jordan: The Comeback" en 1993 y que la misma discográfica que lo ha editado ahora, rechazó en su momento por, según su criterio, demasiado extenso y espiritual.
Con 16 años, la música que fue planeada para ser difundida en 1993, suena en 2010 en buena forma y hay varios discos de Prefab Sprout "perdidos" que Sony si quiere puede recuperar.
Ninguno de los demás miembros de la banda participaron en el disco, aunque McAloon se lo dedica a ellos, no están enemistados ni mucho menos, es que Paddy no cuenta con el dinero para pagarle a sus ex compañeros y la discográfica sólo se limita a editar el disco, no a unir a la banda, aunque McAloon por su delicado estado de salud ya no puede grabar acompañado por otros músicos.

EL BAÚL SIGUE TENIENDO SORPRESAS

2009-12-15T12:13:00.000-08:00

No sé cómo será ese baúl, que dimensiones tendrá, ni quien tiene la llave donde está guardado, porque en febrero de 2009 alguien pasó a formato cd, varias tomas no editadas de The Beatles, entre ellas Revolution #1, en su toma número 20, con una duración de 11:34 minutos, algo que nunca habíamos escuchado antes.
Dicen las malas lenguas que en un descuido luego de tanto revisar cintas para la remasterización, éstas salieron a la luz de un modo no legal.
El lanzamiento de este "bootleg" data de mediados de este año y está editado por el sello "His Master Choice", (algo así como una broma a HMV -His Master Voice- sello subsidiario de EMI en Inglaterra).
En el primer disquito (se trata de un set de 2 cds), además de la joya nunca escuchada antes de Revolution #1, toma 20, con muchos minutos que se parecen demasiado a partes del collage sonoro que John Lennon hizo para Revolution #9, también hay versiones (o mezclas, para ser más precisos) de "Across The Universe", con abundantes sobregrabaciones no utilizadas en las versiones editadas.
Lo más interesante del set son las versiones mono de "Dear Prudence", con más minutos y comentarios de Lennon al final de la canción y las de "Julia" (tomas 1 y 2) con una calidad de sonido excelente, algo raro en estas ediciones.
"Step Inside Love", cantada por Cilla Black, son varios ensayos y algunas tomas, también están las sesiones de "Come and Get It" canción compuesta por Lennon y McCartney para la banda Badfinger (una de las primeras en fichar por Apple Records), aquí están las 26 tomas dirigidas por Paul McCartney, lo que deja claro por qué la versión de Badfinger es tan idéntica a la cantada por Paul McCartney, que conocimos en "The Beatles Anthology".
El segundo cd contiene 10 tomas del tema "No Escaping Your Love", a cargo de "The Iveys", que era el nombre original de la banda antes de llamarse Badfinger.
En esta época de reediciones, remasterizaciones y cajas varias, resulta penoso que los fans tengamos que escuchar estas versiones en ediciones clandestinas, cuando EMI podría editarlas, con mejor arte en el librito del cd, mejores fotos, más comentarios y con la manzanita verde decorando el plastiquito.¿O será que sólo las versiones editadas son redituables para el sello inglés?
Otra vez será, quizás hasta... "Anthology IV", edición en ¿Blue Ray?

EL SILENCIO TIENE ACCIÓN

2009-11-04T11:47:00.000-08:00

Desde que estoy en esta isla española busqué tener algún contacto diario con Argentina, primero por las ediciones digitales de algún diario y cuando la tecnología lo permitió, por las radios.

La primera que escuché por la red fue la omnipresente Rock&Pop, que pongo más por automatismo, así que cuando descubro una nueva, le doy una oída y si me gusta, me quedo. Me pasó en Buenos Aires con la Del Plata de Lalo Mir, con Supernova y con FM Kabul, que las escuché hasta que salieron del aire.

Sabía por el Facebook que Sergio Marchi está haciendo un programa (que todavía no escuché) en una radio hecha para la red, es la que estoy escuchando ahora en el horario "random" de SHHH! Radio, conformada por una selección musical que tiene escuchas diseminados por todo el planeta, algunos tan célebres como Debbie Harry, que les manda mails diciéndoles que le encanta la música que pasan.

El responsable de esta maravilla del ¿eter? No, del "streaming" es Juan Pablo Gauthier, un hombre del medio que trabajó en Rock & Pop, en FM Kabul, fue la voz y los guiones del pájaro Fisu, mascota de La TV Ataca, primer programa propio de Mario Pergolini en televisión, que lo dejó junto con Pipo Cipolatti y troup rumbo a TELEFÉ, para hacer el fugaz "Boro boro".

SHHH! Radio tiene un elenco de primer nivel en el staff de la nueva emisora, pensada especialmente para internautas o gente que trabaja desde su casa, ya que la transmisión es exclusiva para la red.

Es de la partida "Rafa" Hernández, locutor y creador del programa "Piso '93", (de lo mejor que se escuchó por la ex emisora de Daniel Grinbank) en la época que esa radio redundaba en calidad.

También está Gabriela Guimarey,, Rosana Cortés, Corina González Tejedor, (locutoras que también estuvieron en aquella radio), María Carámbula, Rolo Rossini, Alfred Olivieri, Clota Ponieman, Gamexane y muchos más, toda gente conocidísima en el medio de las comunicaciones y con una trayectoria de muchos años.

Espero ver la grilla expandida, ya que son muchos, aunque no creo que vayan a poner demasiado programa hablado, porque que la premisa, se nota, es la música: variada y en un punto ecléctica, con un alto sentido estético que va desde Frank Sinatra, The Clash, Frankie Valli, Ike & Tina Turner, Jimi Hendrix, Style Council, es decir: la música que ya no se escucha en las radios convencionales.

Comenzaron con 300 oyentes y van por 25.000.

Bienvenida sea esta radio.

http://www.shhhradio.com/home.php

VAYA, LO HAN HECHO DE NUEVO

2009-10-13T11:43:00.000-07:00

De la camada de "nuevas bandas uruguayas" que se hicieron conocer en esta década, la que muestra una forma, aún inteligente de hacer rock es "El cuarteto de Nos". Con nuevo disco, "Bipolar " sucesor del magnífico "Raro" -con lo difícil que es suceder un álbum tan bueno como el anterior- la banda consigue mantener el listón alto.
Lo mejor, las letras filosas, marca de la casa, con unas rimas imposibles, y el bajo omnipresente, directo al pecho, unos arreglos, impecables, otra vez cuentan con la producción de Juan Campodónico, que hace que la banda suene sutil, clara y potente.
Hay canciones que son parientes cercanas de algunas de "Raro", pero esa continuidad la da más a una idea conceptual a que si se estuvieran auto plagiando, porque tienen la ironía de sus letras y esos estribillos que son marca registrada del cuarteto.
Lo que más me quedó grabado en las celdillas del hit, son la que le da el título al disco -con el mejor cambio de ritmo de los últimos tiempos- "El Hijo de Hernández" y "Razones".
La banda cuenta con un repertorio impresionante, tienen ideas para rato, hacen 25 años que ruedan y no hace mucho que se los conoce en Argentina, algo que habla de la nula conexión que en materia musical había en la pasada década entre ambas márgenes del Río de la Plata.
Me encantaría verlos en directo, ya que cuando anduvieron por esta isla, no pude ir a verlos y aún lo lamento.
Es verdaderamente un discazo, de esos que entran de inmediato, espero que las radios lo acompañen y que vengan a Mallorca otra vez.

LOS MINIDOCUMENTALES DE THE BEATLES

2009-09-30T05:27:00.000-07:00

Cuando Paul McCartney escuchó el medley del lado dos del disco "Abbey Road" (que en un principio iba a llamarse "Everest" con foto en la montaña incluida), no quedó muy conforme de cómo encastraba "Her Majesty" con el resto de las canciones, así que le pidió al técnico John Kurlander que la quitara.
Kurlander, tijera y cinta adhesiva en mano, entendió que sólo quería que la sacara de ese lugar y la pegó al final de la cinta master de lo que en poco tiempo más sería el álbum "Abbey Road".

Hasta que el disco no estuvo terminado, nadie se dio cuenta de que la pequeña canción había quedado perdida al final, después de varios segundos de cinta virgen. El resultado fue del gusto de todos (para suerte de Kurlander y de todos nosotros).

Fue el segundo "hidden track" en la historia de la música grabada, The Beatles ya lo habían hecho en 1967 con el "inner groove" final de "Sgt Pepper's".

Por mucho tiempo creí que "Abbey Road" no terminaba exactamente con "The End" y sí con "Her Majesty", como chiste final y también a modo de una pequeña hendija donde alguna vez se colaría la reunión de la banda.

A pesar del malestar personal de cada uno de los integrantes de los Beatles cuando grabaron ese disco, la obra que salió de esas sesiones fue sublime, como si cada uno de ellos se hubiese impuesto la firme idea de terminar de la mejor manera posible, musicalmente hablando.

Parece que los Beatles se llevaban muy mal en ese momento. John Lennon quería terminar el disco con "I Want You (She's So Heavy)" - es decir, lo que nosotros conocemos como el lado uno, iba a ser el lado dos - pero al final se decidió que fuera el "medley" que finalizara el disco.

Hay una forma, tal vez demasiado comprimida, de ver cómo se gestó cada disco, pero efectiva y siempre emocionante, que es el DVD que viene con la caja estéreo de la remasterización de la colección de The Beatles.

Casi todo lo que está en el DVD ya lo habíamos visto en los Anthology, esto quizás es más como para "principiantes", pero al fan también le va a interesar.

Este DVD de "mini documentales" arranca desde "Please Please Me", primer LP de la banda y se sitúa sólo en las sesiones de grabación de cada disco, con comentarios de los integrantes y de George Martin, insustituible co-equiper que los comandó como un verdadero director de orquesta.

Las fotos, tridimensionadas digitalmente, son un hallazgo, tanto como escuchar parte de los diálogos de las sesiones de grabación y las voces permanentes de sus protagonistas, narrando en off la aventura de ser un Beatle.

Sigue sorprendiendo la gran evolución del grupo a partir de "Rubber Soul" y del cambio de imagen desde "Sgt. Pepper's" hasta el final, donde John Lennon parece haber envejecido 20 años.

Como complemento de la colección de discos está más que bien, pero no lo podrían vender individualmente, porque es muy corto y muchas fotos que presentan como "nunca vistas" lo son gracias a la tecnología que permite mezclar imágenes.

LLEGARON LAS CAJAS

2009-09-09T09:39:00.000-07:00

Finalmente el día llegó. Hoy ya mismo es historia.
Las cajas y los discos individuales. Estéreo p'al pueblo y monoaural para la elite de sibaritas.
The Beatles, los fab four, los de Liverpool, los más grandes. Ahora remasterizados.

Recién ahora...

Cuando promedia 2009 y el formato CD va barranca abajo.

Se escurren las canciones de la caja estéreo que ya he pasado al iTunes, en algunas las diferencias son más que notables: Only A Northern Song de Harrison, en la versión remasterizada de Yellow Submarine la redescubro, especialmente en el collage sonoro del final.

Todos hablan de lo bien que suenan los bajos y la batería, es cierto, pero las guitarras acústicas son de cristal.

Y en las armonías vocales, donde gana mucho el timbre de George, son sencillamente voces de ángeles.
Con Because me ocurre algo raro: La modernización del audio me recuerda a ese cover genial (réplica) del original, hecho por Pedro Aznar, para su primer disco solista de 1982 y ya no viceversa. Qué extraño.

Sgt. Pepper's... Revolver, Abbey Road, White Album, son los que más crecen con esta revigorización del audio.
Con los cuatro primeros se revaloriza la claridad de las voces y el que más gana es a mi criterio "Please Please Me".
Al ser una remasterización y no una remezcla (quizás ese sea el próximo retoque a la discografía más rentable del mundo), han dejado intacto el "fake stereo", ya que estos discos fueron concebidos originalmente para ser reproducidos en mono y esa excesiva separación de canales en sus versiones estéreo de izquierdo instrumentos y derecho voces, ha quedado obsoleta.

En realidad, esta es la primera vez que la colección completa de Los Beatles suenan así de bien EN FORMATO CD.
Las ediciones de 1987 parecen fotocopias con poca tinta de los vinilos originales. Y eso que los vinilos ingleses suenan MUY BIEN.

Pero cuando los pasaron a cd en el '87, hicieron todo mal, utilizaron masters equivocados, según se defienden en EMI, que sumado a la inexperiencia en digitalización de los técnicos encargados, dio un resultado que no dejó conforme a nadie, aunque nos los vendieron igual y muy caros.

Hagamos historia:

EMI le encargó a George Martin hacer nuevas mezclas de la edición estéreo de los cuatro primeros discos, para ser pasadas al nuevo formato, el compact disc. Las hizo y quedaron muy bien, pero las guardaron para otra ocasión.

Porque en 1987, EMI (UK) finalmente se decantó por editar los 4 primeros cds en mezcla monoaural -y así uniformaron para todo el mundo la colección de The Beatles en disco compacto, quedando afuera Hey Jude, The Beatles At The Hollywood Bowl, Oldies y todas las compilaciones que salieron después de su separación-.

Entonces las mezclas estéreo de Please Please Me, With The Beatles, A Hard Day's Night y Help! de la caja estéreo puestas a la venta hoy, provienen de aquellos masters -o sea, casi la mitad del trabajo ya lo había hecho Sir George Martin en 1987-.

(Por error, en la primera edición canadiense en cd de The Beatles, los cuatro primeros discos llevan esa mezcla agraciada hoy tan bien cotizada en el mercado coleccionista Beatle...)

En 1997 y 1998 se editaron versiones "30 anniversary" de Sgt. Pepper's... y White Album respectivamente, con mejoras en el arte gráfico, pero sin remasterizarlos

En 1999 hicieron la remasterización y remezcla de la Songtrack de Yellow Submarine, que por ser las dos cosas suena mejor que ésta.
En 2000 remasterizaron los singles "number one" para la compilación 1 con un buen resultado, similar al de ahora.

¿Entonces, esta remasterización "2009" sirve para algo?

Sí, porque suena bastante más clara que las viejas ediciones en cd y todo gana en profundidad.

El oído se acostumbra enseguida (por lo menos los míos) a estas versiones tan límpidas y realistas.

Pensé que iban a "limpiar" mucho más las imperfecciones de estudio, pero (por ejemplo) el acople en I'm Looking Through You, (apenas perceptible), sigue estando, aunque el "gap" en el tercer verso de "Day Tripper" lo han arreglado.

Así que a disfrutar digital y oficialmente de la discografía de The Beatles, ahora que por fin EMI lo ha conseguido, más les vale con el tiempo que se han tomado.

BRIAN... SMiLE!

2009-08-31T03:20:00.000-07:00

Las discográficas a veces conspiran para que parte de la obra de un músico quede relegada a un archivo que seguramente se encontrará después de darlo por perdido desde hace mucho tiempo.

Tal vez aparezca en un baúl tapado de polvo la cinta original estéreo de "She Loves You" de The Beatles o alguna grabación perdida de un potencial hit olvidado de un artista que fue top.
Lo que nunca aparecerá es el disco "SMiLE" de los Beach Boys, esa obra de arte pensada y realizada por Brian Wilson, con textos de Van Dyke Parks, aún fiel compañero de ruta de BW.

Por eso la gente de Purple Chick, ha "reconstruido" el genial y tan resistido disco de los muchachos de la playa.
Estos chicos de Purple Chick se toman la molestia de hacer paquetes de bootlegs muy completas, poniendo en evidencia su buen gusto y profesionalismo a la hora de juntar los discos piratas que teníamos idea de que existían pero nunca habíamos escuchado en su totalidad.

En este caso, la reconstrucción completa de SMiLE fue hecha con material que aparecieron en discos posteriores a SMiLE, al siguiente: Smiley Smile, que contenía 4 canciones heredadas del disco postergado, pero en versiones con arreglos más simples), recopilando trozos de las grabaciones originales de SMiLE, que hace tiempo andaban dando vueltas por la red, imaginando cómo lo hubiera hecho Brian Wilson.
Así que en un mismo tema conviven tomas editadas, con intros inéditas provenientes de ensayos, algunas partes mono, otras estéreo y el resultado lejos de ser caótico, es sensacional.
Tengo en iTunes esta reconstrucción completa y a continuación, el SMiLE que Brian Wilson grabó en 2004. Realmente la versión del disco restaurado por Purple Chicks, muchas veces supera la de Wilson con los Wondermints que editó en 2004.

La historia cuenta de la inspiración e influencia (recíproca) entre los Beatles y los Beach Boys a partir del "Pet Sounds" -dicho, sostenido y repetido por Sir Paul McCartney- y que fue el empujón para que los de Liverpool concibieran el magnífico "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band".

Y viceversa, porque "Revolver" (disco anterior a "...Pepper's...") fue para Brian Wilson suficiente motivación para que pusiera manos a la obra (de arte) y pergeñara la "Sinfonía para adolescentes a Dios" (SMiLE), que en principio fue bien recibida por Capitol Records, (sello donde grababan los Beach Boys y que también editaba a los Beatles en U.S.A.), pero las demoras en su grabación, la complejidad de las melodías y arreglos -y el siempre cambiante estado de salud mental de BW en ese momento- conspiraron contra el gran álbum, y así fue que a poco más de un año de su anuncio, la salida del disco fue demorada para siempre.

Hasta que en 2004 Brian Wilson volvió a grabarlo íntegramente con nuevos músicos y se ganó, además del reconocimiento masivo, un Grammy.
Y allí volvió a quedar en evidencia el fallo de Capitol, que se perdió de editarlo dos veces, porque el nuevo SMiLE salió bajo la etiqueta Nonesuch, una subsidiaria de Warner.

40 AÑOS CRUZANDO ELPASO DE CEBRA

2009-08-10T04:49:00.001-07:00

La primera vez que visité Londres fue en marzo de 1999, de vacaciones por Europa. Cuando regresé a Buenos Aires mis compañeros de trabajo me preguntaron: ¿Fuiste a Abbey Road? Por supuesto, les contesté casi sin pensarlo, pero en realidad no había ido. St. John's Wood no me quedaba cerca de donde yo estaba parando (Mayfair), eso sí, había sacado fotos de todos los ángulos posibles a la casa que los Beatles alquilaron en 3 Savile Row, para montar Apple Records y en cuya terraza habían tocado sus últimas canciones parando el tránsito (Savile Row es una calle muy angosta). Pero en los casi dos días que estuve en Londres, no había tenido tiempo de pisar el paso de cebra más famoso del mundo. La vida, al parecer da una nueva oportunidad a los fanáticos. Dos años después los tarifazos, la falta de empleo y la decisión personal me escupieron fuera de la Argentina donde me parió mi mamá. El primer lugar que elegí fue Amsterdam, necesitaba un poco de distensión y esa ciudad que ya conocía, sabía que iba a dármela. Un par de días allí y luego, iría a visitar a mi amigo Alejandro, que hacía un año que vivía en Londres. Quedamos por mail y me dió su dirección, la estación de metro era Swiss Cottage, y su apartamento quedaba en... la calle Abbey Road. Cuando llegué a Londres, tomé el metro y allí fui. Quedaba como a 20 calles del famoso cruce, pero a las dos semanas, habiéndose caducado el abono del metro (como en Londres el transporte público es bastante caro), me iba caminando derechito por Abbey Road hasta llegar a St. John's Wood (barrio donde vive Keith Moss o Paul McCartney) y de allí cruzaba el Thames y seguía mi camino por Regents Park. Pasaba a diario por la puerta de los estudios que EMI dejó para que los Beatles jugaran a la música e hicieran en un día completo su primer LP "Please, Please Me" y se tomaran todo el tiempo que quisieran para crear el "Sgt. Pepper..." Siempre me paraba y miraba hacia adentro, no lo podía evitar. A pocos metros del apartamento de Ale estaba la placa que figura en la contratapa del disco "Abbey Road", le hice varias fotos pero no salió ninguna. Del paso de cebra, la placa de la calle toda pintarrajeada en uno de los edificios que sale en la portada del disco, sí hice y hoy las tengo enfrente de mí pegadas en una plancha de corcho. Un día que pasaba por allí estaba la combi de la Sinfónica de Londres y creí escuchar ese acorde interminable de "A Day In The Life". Se están cumpliendo los 40 años de la edición de uno de los discos más memorables de la banda de Liverpool, "Abbey Road". En estos días de festejo y conmemoración, muchos fanáticos cruzaron el paso, vistiendo similar ropa a que los cuatro fabulosos llevaban el día que Ian McMillan les hizo la foto que se transformó en icono y ha quedado estampada indeleble en el inconsciente colectivo.

LAS BUENAS RADIOS

2009-07-21T13:42:00.000-07:00

En Buenos Aires las buenas radios FM no duran mucho, tampoco duran demasiado las buenas épocas de los programas en esas radios.
Lalo Mir dirigió Radio del Plata durante los primeros años '90, y fue lo mejor que dio la radiofonía argentina, junto con "Aquí Radio Bangkok", uno de los primeros programas de autor que dio lugar a muchos más que vinieron después, algunos simplemente tomando la fórmula e imitándola.
Pero a mediados de los '80, (1987) Lalo Mir, Bobby Flores y Quique Prosen comenzaron a hacer camino en una emisora que daba señales de desmontar la FM de siempre, la de tema-locutor-tema, de hacerla de nuevo, con formatos desprejuiciados, con música nunca antes pautada.

Encuentro, yendo de un sitio a otro en Internet, un documental de "Aquí Radio Bangkok", con reportajes a Lalo, Douglas y Bobby, y audios del programa.
También hablan sus coprotagonistas (operadores, colaboradores) y periodistas, como Alfredo Rosso, que cree que en"Aquí Radio Bangkok" se pude encontrar quizás, la continuidad de "El Tren Fantasma" (FM Rivadavia, Locutor: Omar Cerasuolo, primeros años '80), .
Douglas Vinci no está de acuerdo con esa opinión, y yo concuerdo con él en el sentido que "Bangkok" fue el quiebre de la FM, ya que "El Tren...", aún con los primeros guiños a otro tipo de oyente, seguía estéticamente conservando el formato de la FM de siempre, eso sí, atreviéndose a poner como fondo musical del auspiciante, el espeluznante himno falangista "Cara al Sol" y la mejor música que por aquellos tiempos sonaba en la radio.

Bangkok estaba hecho por un locutor, dos tipos que nunca habían salido al aire, junto con un montón de artistas y gente común que se acercaba al estudio de la radio, creaban personajes, situaciones de enredos, reflotaban el espíritu de la radionovela, y el resultado era lo mejor y lo más novedoso que se había escuchado hasta el momento.

Ayer di por casualidad con "Las cintas perdidas", ese doble cd que sacó el diario argentino Página12 hace algunos años, es un compilado con algunas perlas de lo mejor del programa que dio vuelta muchas cabezas.

Escucho a "El Pollo Cohen y sus Dentaduras Postizas" y vuelvo en el recuerdo a la redacción de la calle Lavalle, donde pasaban los músicos que -de civil- yo no reconocía y los hacía esperar afuera.
Marcelo Bitar, jefe de esa redacción no podía creer que no me diera cuenta que Miguel Mateos, por ejemplo, había venido a verlo.

Unos años antes, cuando Carlos Masoch era el director de arte y partía raudamente a media mañana sin que el editor se percatara, comenzaron a pulular los primeros walkman en la redacción.
Todos escuchábamos el nuevo programa de la radio -dueña de la revista que hacíamos- Masoch salía por radio en ese nuevo programa de Lalo Mir.
Así que era mejor escucharlo en privado para que el editor no supiera dónde estaba el artista del pincel y el cúter.

El reverendo Douglas Vinci, era el personaje que hacía, en una especie de "micro" donde le hablaba a sus "fieles", pedía colectas y daba consejos,
a veces se grababa en la discoteca de la radio, por las tardes, pero después se empezó a hacer en vivo en la emisora.
Cuando finalmente "Bangkok" lo absorbió, Carlos se fue de la editorial y me dejó su puesto que cubrí por tres años.

Ya como Douglas, pasó a ocupar el lugar de Quique Prosen, (que se convirtió en un directivo de la radio), aunque seguiría saliendo (por teléfono) haciendo un personaje muy popular en el programa: Cacho de Castelar.

"Aquí Radio Bangkok" duró casi tres años y terminó con el inicio del menemato.
Daniel Grinbank se cansó de la radio de autor, de las denuncias y multas del Comfer.
Además el anunciante principal de la radio en aquel momento (Pepsi), prefería un target más "tranquilo"y Grinbank cedió dejando de los históricos sólo a Pergolini, junto a otros locutores, dándole a la radio un ambiente "light".
Fue el llamado "Tercer tiempo" de la emisora, que por suerte duró poco porque se empezó a parecer a las demás FM (tipo Aspen, pero con rock de fondo), la audiencia estaba ávida de aquellos programas "tan locos" y las mediciones comenzaron a dar a la baja.
Al tiempo volvieron los programas "con argumento", fue la época de "Podría Ser Peor" (Pergolini - Di Natale), "¿Buenos Aires? Una Divina Comedia" (Lalo Mir - Elizabeth Vernaci) y otros que aún siguen por la Rock&Pop.

En 2000, en "Animal de Radio" (último programa de Lalo Mir para la emisora), se hizo un remake del Radio Bangkok sin decirlo abiertamente.
Allí estaban Lalo, Bobby y Douglas junto a Martín Cicioli, Fernando Peña y otros, pero entre tantos programas "à la Bangkok", terminó pasando desapercibido.

Pasan los tracks, sigo escuchando las ocurrencias de estos tres genios de la radiofonía, y entiendo esa cualidad catalizadora que tenía Lalo Mir de ver talentos, de descubrirlos y exponerlos.

No lo he seguido ni en su etapa de radio Mitre (AM),como tampoco quisiera escucharlo haciéndole la locución a Arjona por la cien.
Prefiero quedarme con estas "lost tapes", que siempre quise tener y que mi lejanía europea me imposibilitaba. Suerte que existe Internet.

Agradezco a quien (anónima y masivamente), me lo acercó y sueño que en Argentina, las buenas emisoras duren bastante más.
Bueno, si se puede soñar... que vuelva FM Kabul.

HOY ESCRIBO

2009-07-08T06:17:00.000-07:00

En los altavoces suena Josh Rouse, un cantautor nacido en USA, que me presentó Bobby Flores en su ya fenecido programa de las tardes en la también muerta radio Kabul. 

La música, acorde a mi estado de ánimo, es como "melancólica"; la voz de este tipo no tiene estridencias, ni tampoco es dueño de un timbre especial, pero está en perfecta sincronicidad (palabra que no existe, pero que es una teoría psicológica), con respecto a mi presente inmediato. Ahora, ahorita mismo. 
Había leído un reportaje a este señor en una revista inglesa de música popular, hace unos años, precisamente cuando estaba promocionando su disco "1972" (año de nacimiento del cantautor). 

Nunca busqué el disco, a pesar de que el reportaje me había parecido buenísimo.
Lo grabó en el mismo estudio donde los Fleetwood Mac crearon y plasmaron el difícil álbum doble "Tusk", en 1979. 
El dueño del estudio cuenta que con los restos de cocaína entre las consolas y mesas de grabación que quedaron de esas sesiones, se podría haber juntado una bolsa.

 El mismo Rouse dice que durante la grabación de "1972", se intentó repetir aquel espíritu tan propio del rock and roll y la bolsa de valores. 

Bobby Flores opinó que Josh Rouse estaba a la altura de un Bob Dylan o de una Carole King cuando Santi Calori se lo quiso tirar abajo. Hasta que no escuché por primera vez las canciones de este disco, me pareció que había exagerado, ahora, con unas cuántas pasadas, le doy la razón. 
Detrás del pop "facilón" que parece a primera oída, surgen las capas donde se encuentra el valor de esta obra.
En la sutileza que exhala cada canción, melodías suaves y una orquestación exquisita.

Parece que fuera un disco realmente grabado en 1972, por el sonido, por la frescura, las letras, los arreglos y esa voz susurrante de Rouse que hace que quieras volver a escucharlo. 

Son las tres y media de la tarde en Mallorca, el cielo está nublado y hace un calor sofocante, que casi no deja respirar.
 En las páginas de los diarios de Internet, Michael Jackson omnipresente, ya nada "invincible" y a la vez tan espeluznante con su máscara de oxígeno final.
 
Una melodía se escurre por los altavoces y Josh me enseña cuánto lo influyó Smokey Robinson, luego el cambio de ritmo y Marvin Gaye se cuela entre unos arreglos à la What's Goin' On. Continúa en sincro con mi estado de ánimo. 

A las séis de la tarde me esperan cinco alumnos, a quienes les doy clases de informática.  Pero hoy no tengo ganas de estar con ellos, quisiera seguir escuchando música que me lleve un rato y luego, de mejor talante, me traiga de vuelta a seguir la lucha.

ANOCHE SOÑÉ CON EL MIYO

2009-04-20T07:13:00.000-07:00

Que era el gato que tuve desde finales del '88 hasta que me vine a España, a mediados de 2001, antes de la debacle del país que me tocó nacer.

Estaba yo en mi casa de la infancia, en el jardín y el Miyo sentado a un costado me miraba. Yo lo llamaba y el gato como siempre, venía a mi lado. Era todo tan real que sólo me di cuenta de que era un sueño porque nunca viví con el Miyo en esa casa, sino en el apartamento que alquilé para irme a Capital. Y me desperté.
No la estoy pasando bien en este lugar, al que muchos ven como un paraíso. Claro, vivo en Mallorca, abro la ventana y a diez metros tengo el mar, de fondo (vivo en un piso alto) se ve la ciudad de Palma, el castillo de Bellver y la montaña. Todo es una hermosa postal.
Pero: ¿Cuánto vale todo esto? En dinero, bastante. En vida, me está llevando toda la que me queda.
No hice amistades en esta isla bonita, quizás por mi culpa, me digo. Pero mi mujer, que es mucho más amable y social que yo, tampoco los pudo hacer. ¿Será porque está conmigo? Me pregunto y no tengo respuesta para eso.
Hace algunos años un amigo (argentino) me dijo: "Esta bueno el paisaje, ¿pero vos te sentís parte de él?" No le contesté porque yo no me sentia parte y me costaba admitirlo.
Después vino el aclimatamiento, trabajar de algo que jamás habría hecho en Argielandia, lograr la residencia y con ella la mejora de empleo y de talante.
Cuando uno está de pie, bien erguido, la caída siempre es más fuerte. Es lo que me está pasando ahora mismo. Vivimos pisando un suelo de telaraña, sabiendo que en cualquier momento se viene abajo y nosotros con él.
Es triste, pero es real. La sangría de inmigrantes en la cola del desempleo es absoluta, las medidas restrictivas que el gobierno ¿socialista? prepara para los de afuera nos da la pauta de lo que va a venir. En realidad de lo que ya está, sólo falta que lo institucionalicen, y están trabajando aceleradamente en ello. De hecho los hijos de ecuatorianos residentes en España no son más considerados españoles, sino ecuatorianos nacidos fuera de Ecuador. Ya es usual que eso pase.
Invitar a tu casa a un inmigrante "sin papeles" (como llaman aquí a quienes no tienen residencia legal) será considerado una "falta grave a la ley de extranjería" con multas de 6000 € o más. Es decir, se acabó el humanismo dentro del socialismo zapateril. Ayudar a alguien en apuros será penado por la ley.
Pienso en los barcos repletos de carne argentina con destino España durante el racionamiento franquista en los años '50s, los zapatos de cuero que los españolitos se calzaron después de mucho tiempo de andar en patas, no, mejor dejo de pensar en todo eso porque todavía vivo aquí.
Veo por Internet anuncios clasificados de Argentina y noto que algunos "empresarios"que piden "diseñadores gráficos españoles nativos". ¿Serán españoles esos empresarios, es legal lo que hacen, por qué los dejan hacer eso?
Sí, en Argentina piden diseñadores españoles cuando hay tantos diseñadores nacidos en Argentina con mucha calidad y experiencia.
Leo una nota en Página12 sobre un guitarrista argentino que va a venir a tratar de editar su disco de Rock y Blues en España, el tipo es bastante conocido allá, tocó en bandas mainstream, tuvo su momento ídem que acabó y se tuvo que poner a manejar un taxi, y para editar el disco vendió parte de sus equipos. Me da tristeza que aún, con las noticias que se escurren por Internet, la gente se quiera venir a Europa.
Porque aquí no nos quiere nadie, ya antes cuando había qué repartir, éramos mal vistos, ahora somos la amenaza más grande que ven, los que les quitamos el poco trabajo que hay. Cuando les recordás que los españoles, por cuestiones políticas o por hambre se fueron al sur de América, te contestan que no tienen ningún familiar por ahí, ni conocen a nadie que los tenga. Y uno no se pelea porque para un inmigrante dar con sus huesos en la cárcel, es cuestión de un chasquido de dedos.
Tengo en el Facebook fotos de mis épocas gloriosas en Buenos Aires, cuando todo funcionaba en mi vida, cuando salía de un trabajo para meterme en otro, todos de diseño gráfico. Trabajando con amigos, con libertad de acción, cuando la gente confiaba en el otro. Ahora eso es una utopía, parte de un pasado donde la gente vivía de lo que hacía y los fines de semana, salía a divertirse. ¿No nos vendieron que eso era la felicidad? Pues eso no existe más, o por lo menos está vedado para los "nadies", para nosotros.
Otra vez vienen a mi mente imágenes de mi gato paseándose por el departamento donde vivía con Danisa, la mujer que por aquellos tiempos (años '90) compartía su vida conmigo, en Yatay y Sarmiento.
Lo veo subirse al marco de la ventana y saltar al balcón del vecino para cazar una paloma, que terminará invitando al departamento a cenar (ella sería la cena) y que Danisa salvó encerrando al Miyo en otra habitación. Recuerdo el sonido del aleteo de la paloma asustada buscando aturdida la ventana abierta de su salvación. Y ahora aquí, escribiendo en la Mac, viendo las letras en una pantalla, miro por la ventana y he corrido las cortinas, para no ver el paisaje, tengo miedo de que al fijar la vista en él, me de cuenta que está mal impreso y fuera de registro.

ALFONSÍN Y LA CALLE DEL '83

2009-04-01T07:16:00.000-07:00

El primer recuerdo que tengo de la época pre-electoral es que con mi amigo Ricardo Carossino empezamos a hablar de política. Fue cuando me enteré de que él era peronista. Habíamos sido compañeros de un curso de la secundaria (2º. nacional en el Güemes de El Palomar) cinco años antes, pero recién en ese momento me di cuenta de la diferencia entre vivir en dictadura y empezar a disfrutar el sabor dulce de esa democracia que se venía. Cuando hablamos de política con mi amigo y -aunque divergíamos en cuanto a partido- lo que deseábamos los dos era lo mismo, basta de represión, poder andar libres por las calles sin miedo a que te pidieran documentos y que por nada te llevaran, más guita en los bolsillos de la gente, educación, salud estatal y buena. Cuando escuché la frase "Con la democracia se come, se cura y se educa..." no lo dudé y para allí fui. El 31 de octubre por la mañana todos nos habíamos enterado, el candidato del saludo cordial, de la prosa llana, había ganado las primeras elecciones generales totalmente sin prescripciones en muchos años en Argentina. Los meses fueron pasando y la alegría se terminó rápido, duró lo que una primavera, la primera de la democracia, en 1984 donde había sol, la calle era nuestra y todo parecía posible y bueno. Pasó el plan (otra vez) en primavera, pero la del año siguiente, ya más oscura. La deuda externa crecía desbocada, los ministros de economía parecían profesores chiflados, aunque sin salirse un poquito del guión dictado por el FMI, el Banco Mundial y uno que otro acreedor. Cambiamos de moneda devaluando de nuevo, creímos por primera vez que nuestros billetes valían más que los de dolar cuando ni siquiera eran pesos. Un día nos despertamos con un alzamiento, con una rendición y con una frase poco afortunada. "La casa está en orden...felices pascuas." Al final el que se rindió fue el presi pues para los militares los planteos, recién empezaban, y así fue. Otro intento de golpe más y a cada uno de éstos los miliquitos avanzaban varios casilleros llevando todo por delante en el TEG de la realidad argentina y quien perdía puntos era la democracia, tan frágil ella, tan dócil. Otro día hubo un intento de toma de un cuartel, en La Tablada y acabó siendo una tragedia de enredos porque los dueños del cuartel terminaron masacrando a los asaltantes (incluso hubo fusilamientos) y éstos antes dejaron varias bajas de los de verde oliva. Una tarde saliendo de la redacción de la revista Rock&Pop que quedaba en el barrio de Once, escucho gritos y ruidos. Era gente saqueando los comercios, parecía que en poco tiempo estarían al lado mío. Corrí, me fui enloquecido por los gritos y los ruidos de vidrieras al romperse a mis espaldas. Poco tiempo después, la despedida anticipada por no poder, por no saber y por no atreverse, porque hoy se sabe que los planteos militares de los '80s no conllevaban un riesgo para el sistema democrático. La democracia, aquella joven y bella dama que tanto nos ofrecía al principio, en casi cuatro años estaba hecha una señora prostituida por un mal chulo, había dormido en la calle y le había pasado un tren por encima, también, además de tener mucha mala leche, por cierto. Hoy es miércoles 1 de abril. Coincidentemente es un día de miércoles. Se murió Raúl Alfonsín, el primer presidente de la democracia pos "proceso". El del saludo célebre, el de los stickers R.A., ovalados con los colores de la bandera detrás, "El hombre que hace falta", según David Ratto, jefe de campaña y publicista. Un tipo bueno, una persona que tuvo las mejores intenciones y las peores resoluciones. Que fue votado hace poco como el mejor presidente desde el regreso a la democracia en Argentina, lo que habla muy mal de los que lo sucedieron. Porque a Alfonsín intención de hacer bien las cosas, no le faltaron. Pero no me puedo quedar con el "no lo dejaron". Fue titubeante en cuestiones de estado y no mantuvo la firmeza de ser el jefe de las tres fuerzas armadas, no cortó de raíz el primer alzamiento militar. De haber sido así nos hubiésemos ahorrado los siguientes. También en lo económico mantuvo una excesiva fidelidad con el FMI que elevó la deuda externa y devaluó dos veces la moneda nacional. El Pacto de Olivos fue su último truco que le valió el odio de muchos y terminó desvalorizándolo como demócrata. Aquí en España cuando sos partidario de uno u otro personaje, político o artista dicen:"A mí me gusta (X) pero soy más de (Y)..." Tengo que decir algo parecido, a mí Alfonsín me ilusionó como nadie en el '83 y lo voté, pero ya en el '87 me preguntaba qué era de todo aquello, como en un bolero fatal. Así que me gustaba Alfonsín, no estaba del todo mal, pero yo soy más de Arturo Illia, un mandatario que estaría bueno que lo incluyeran en las encuestas del mejor. Una anécdota cuenta que cuando David Rockefeller se reunió con él en Buenos Aires. le comentó al entonces presidente Illia que tenía intenciones de abrir en Argentina sucursales del Chase Manhattan Bank, de su propiedad. Illia le contestó al magnate: "No va a poder ser míster, si usted abre esos bancos acá va a tener más poder que yo, y eso no es buena cosa para el país..." Poco tiempo después Illia fue derrocado por la morsa Onganía, y los nuevos bancos de Rockefeller se abrieron en el país de nunca jamás del sur. La historia de la Argentina empezó a torcerse cada vez más desde entonces.

MI PAPÁ, EL NOBLEX Y LA COLECCIÓN DE LOS BEATLES

2009-01-05T05:27:00.000-08:00

Estaba yo por cumplir los dieciocho, era el año '81 y mi viejo me dio a elegir, la fiesta o lo que yo quisiera.

Yo elegí lo que quise, un equipo de audio estéreo, un centro musical, como lo llamaban entonces, con giradiscos, radio FM y casetera (las grabadoras de cintas compactas de antaño, los mp3 de nuestra juventud).

Mi padre que trabajaba en una empresa donde fabricaban esos aparatos era el encargado de conseguírmelo, pero como no era personal jerárquico, no gozaba de ningún descuento por la compra del producto.

Y así me lo hizo saber, creo que él se sintió peor que yo cuando me lo dijo.

"Te doy la plata y te lo comprás vos, donde quieras", me dijo un poco resignado.

A la tarde de ese día nos fuimos con mi amigo Roberto, que le pidió el coche a su papá para traer el equipo de música que yo estaba obstinado en encontrar a más bajo precio que en la fábrica misma, tarea más que osada, pero uno cuando está por cumplir los dieciocho nada se nos pone por delante y si lo hay, se arremete.

Recorrimos el barrio de Caseros, que era lo más cercano que teníamos donde había variedad de tiendas de electrodomésticos. En El Palomar, (donde vivíamos),había muchas menos y en ninguna tenían el equipo que me interesaba.

Me estaba decantando por un Ken Brown que me deslumbró con su casetera de puerta hidráulica frontal: cuando la empujabas con el dedo, la puertita se abría despacio, dando una sensación de falta de gravedad.

Estuve a punto de llevármelo cuando vi el Noblex que mi papá no pudo comprar con descuento en la fábrica, estaba más barato que el Ken Brown e incluso de lo que se lo cobraba el fabricante a mi padre. Decidí comprarlo y lo cargamos en el asiento trasero del 504 del papá de Roberto.

Cuando me fui de Buenos Aires a tratar de vivir en España, me despedí de ese viejo y excelente equipo de música casi como de un familiar.

A veces recuerdo esa grandiosa idea de mi padre de siempre darme a elegir, como un año antes cuando faltaban pocos días para la navidad, me preguntó cuántos discos me faltaban para completar mi colección de los Beatles.

"Siete discos", le contesté. Y al rato apareció con un fajito de billetes y me dijo "Comprátelos todos".

UNA DE PIRATAS

2008-11-26T12:50:00.002-08:00

A principios de los ochenta, los genios de la industria discográfica (primero en Inglaterra y tiempo después en varios países de Europa) pergeniaron una campaña que presagiaba el triste final de la música a manos de desaprensivos compradores de casetes vírgenes; el eslógan rezaba: "HOME TAPING IS KILLING MUSIC", su logotipo eran dos tibias cruzadas sobre la silueta de un casete, y remataba la frase "And it's Illegal". (Grabar casetes está matando la música y es ilegal).

Irónicamente ese mismo símbolo lo lleva una de las velas del barco que integra el logotipo del portal sueco de enlaces a archivos torrent: "The Pirate Bay"

El drama de la "industria" en ese momento era que se estaban vendiendo muchos casetes vírgenes y la paranoia les había entrado a los industriales del sonido grabado. El tiempo puso las cosas en su lugar y la música finalmente no se murió.

Puede que enfermara del estómago aquellos años con tanta basura pop que esas mismas empresas editaban, pero lo único que murió fue el casete y la música siguió vivita y coleando.

EL SOPORTE DEL DEMONIO:

Lo terrible del caso es el origen mismo del casete compacto: (Compact Cassette, tal su nombre original), que inventó la empresa Philips, lo puso en el mercado en el año 1963, y al año siguiente se masificó porque la presión que ejerció la empresa Sony, hizo que los creadores decidieran liberar la licencia y muchos fabricantes se pusieron a fabricarlos como churros.

Es decir, dos grandes empresas -que también son discográficas- se disputaban el negocio de la música grabada en forma doméstica y a su vez hacían campaña en contra de ella. ¿Les suena?

El casete fue concebido, en principio para grabar conferencias, hasta que en 1971, con la aplicación a los aparatos reproductores de otro gran invento, (el Dolby System de reducción de ruido de fondo), lo hizo ideal para almacenar y reproducir música.
En ese formato de cajita plana de plástico, con opción a destriparlo y volver a poner con altas dosis de paciencia, todo en su lugar, grabábamos todos los discos que compraban nuestros amigos. Eso estaba prohibido, sin embargo Philips y Sony fabricaban las herramientas legales para convertirnos a nosotros en infractores.

EL PEQUEÑO CASI PERFECTO:

La aparición del compact disc fue el puntapié inicial para el deceso del disco de vinilo (record), luego la casete siguió por la misma senda y los soportes se convirtieron en formatos con la digitalización.

Los Compact Discs fueron promocionados como "la salvación de la industria musical", ya que (teóricamente) tenían mejor sonido, no se rayaban, y eran irrompibles. Nada de esto fue así.

Primero se aseguraron la venta de toneladas de discos compactos del viejo catálogo pasando cintas analógicas a digital, sin tocarlas ni mejorarles el sonido. Eran los cds AAD (grabación y mezcla analógica, en master digital).

Los remasterizados son ADD y los actuales son DDD, es decir todo digital.

Tardaron más de diez años en remasterizar los discos que reeditaron en el formato estrella de los años '90s, que en principio ni se escuchaban mejor que los vinilos, (los agudos chirriaban, los bajos eran menos potentes y todo estaba ecualizado al frente, sin matices) y sí se rayaban, saltaban y además por su pequeñez, se echaba de menos el arte de portada, las fundas interiores, los "labels" (el círculo de papel en el centro del disco, que tenían los títulos e información.)

Los cds se parecían más a posavasos que a una obra de arte integral.

Para muestra, un botón: las ediciones en CD de The Beatles, por ejemplo, aún vienen con el librito de sólo dos páginas con el interior impreso en negro sobre blanco, excepto las especiales: "30 aniversario" de Sgt. Pepper's... y "White Album" que mejoraron el arte (cd replica), pero no los remasterizaron.

Los cinco primeros discos de la colección oficial son monoaurales, todavía siguen así. El precio promedio de esos discos: 20 euros.

Las ediciones actuales en vinilo "made in england" suenan mucho mejor que las en cds ¿Será por eso que los siguen fabricando y vendiendo vinilos?

Otra falacia: "Cuando el CD se masifique, costarán más baratos".

Tardaron más de 20 años en bajar los precios...

En los '90s, EMI tenía una fábrica en Austria, que se dedicaba solamente a hacer el cd "The Dark Side Of The Moon", de Pink Floyd. En esa época costaba 24 dólares la unidad.

Pasaban los años y seguía igual de caro, aunque es uno de los discos más vendidos de la historia, permaneciendo 20 años consecutivos en las listas de Billboard.

Al terminar la década, salieron a la venta los cds regrabables y se creó el formato mp3.

VIEJITOS CONOCIDOS:

El cd es ahora un soporte en vías de extinción y eso en gran parte se lo debemos a la misma industria que lo parió:
Philips, inventó el compact disc, Sony, las grabadoras de cds y Thomson, (fabricante de TV y componentes de audio), el formato de compresión de audio mp3.

Ahora sí los disquitos bajaron su precio drásticamente y ediciones super de lujo, que incluyen DVD, libros, y variado merchandising, se venden al precio que hace 15 años pagábamos por un compact disc con el librito de dos páginas.

Hoy las discográficas presionan a los gobiernos para que bajar música por Internet sea considerado un delito (hasta con exageradas multas y penas de prisión), volviendo con eso de que "la música se muere" debido a las descargas por Internet.

Lo que realmente es cierto es que se venden menos discos compactos (A principios de los '90s se vendían menos vinilos que cds., situación lógica por el cambio de estándar), pero ahora la venta de música cambió de forma como lo hizo entonces, vendiendo millones de politonos, teléfonos móviles y pen drives con discos enteros, las descargas legales por Internet crecen cada vez más. Es decir, la industria ya se adaptó a las nuevas reglas de juego, simplemente porque a esas reglas las inventó la misma industria.

Los grupos y solistas sí venden menos discos (en soporte cd), pero hacen más shows, que es donde ganan dinero, allí y en la difusión pública de sus obras (Radio, TV, lugares públicos de esparcimiento). ¿La música se muere o simplemente vuelve a mutar de forma?

Aquí la industria es donde vuelve a calzarse el disfraz de oveja malherida, pretendiendo arañar el 5, 10, ó 15% de las ganancias de los artistas por show, aunque todavía ambas partes estén discutiendo lo que las discográficas se embolsan por los downloads legales que se bajan de la red de portales como iTunes Store, Amazon, y otros y del que los músicos ven poco y nada del dinero que generan.

DE LAS REVISTAS QUE MÁS ME GUSTABAN

2008-11-12T05:16:00.000-08:00

Primavera de 1983, iba al centro desde Palomar en el ferrocarril San Martín. En el quiosco de la estación veo una revista con una gráfica bastante rudimentaria, en la foto de tapa está Pappo y los titulares oblicuos a la derecha, tienen fondos de colorines. El nombre me resulta extraño para una revista de rock: "Tren de Carga". La compro, no era barata. Me pongo a leerla en el tren y me quedo enganchado. Allí conozco las opiniones musicales de dos personajes que luego darán que hablar en el periodismo argento, Sergio Marchi y Eduardo de la Puente. Tuve el inmenso placer de conocerlos a los dos unos años después, cuando coincidimos en la revista de la Rock&Pop y en Canta Rock.

Marchi fue mi jefe de redacción durante un par de años, de la Puente dejó de escribir en las revistas y se fue a trabajar en uno de los mejores programas que parió la radiofonía argentina: "Malas Compañías", con Mario Pergolini.Cuando el programa dejó de emitirse, Eduardo se fue a Mar del Plata.

En su regreso, de la Puente volvió a la radio con Pergolini a conducir el duradero y exitoso programa "Cuál es", por la FM Rock&Pop. Marchi fue el efímero jefe de redacción de la edición argentina de la revista Rolling Stone (Sólo duró unos números, lo echaron -en parte- por opinar que a revista lejos estaba de ser lo que era, lo reemplazó la inefable Gloria Guerrero), luego Marchi escribió la biografía oficial de Charly García, hizo radio, escribió otros libros y siguió siendo uno de los periodistas de rock más reputados de la Argentina.

Ellos dos fueron los causantes de que dejara de leer la revista "Pelo", lo cual fue un gran alivio para mí.

Luego la "Tren de Carga" se fusionó con "Twist y Gritos", la revista que en los años ochentas dirigía Tom Lupo, que al tiempo dejó de salir.

En uno de los primeros números de "Tren de Carga había un reportaje a Los Twist que no tiene desperdicio. Hoy esa revista se vende por Internet a 100 pesos.

Un saludo desde lejos a esos dos grandes periodistas.

BILLINGHURST 543

2008-11-06T12:28:00.000-08:00

El 20 de marzo de 1988 andaba yo de capa caída.
Hacía un par de semanas que había dejado de tener novia y estaba todavía masticando el duelo.
Con el corrector de la editorial donde trabajaba nos habíamos hecho bastante amiguetes. Se hacía llamar Fritty y estaba yéndose de vacaciones de fin de semana largo (pascua o algo así), una amiga suya lo iba a reemplazar en la tarea y me recomendó que la tratara bien. "La dejo en tus manos" fue lo que le escuché antes de irse.
Esa tarde de marzo una mujer abre la puerta de la redacción y los que estábamos allí nos quedamos mirándola.
Estaba buena y tenía como un aura, algo especial.

"Hola, soy Debi, la amiga de Fritty que lo va a reemplazar por unos días", dijo.

La invité a que pasara y le cedí mi taburete para que ella pudiese corregir los textos sentada.

Al acercarse sentí el perfume "Paris" que largó su pelo lacio y rubio. Un par de mariposas aletearon en mi estómago, pero yo como tenía a mi ex novia en la cabeza, traté de no darle importancia.

Nos quedamos unas horas más trabajando los dos solos,porque estábamos en el tramo final del cierre, ella corregía a medida que yo iba terminando las páginas maquetadas.

Eran las ocho de la noche y el portero del edificio nos echó flit.
Apagamos las luces y salimos bajando por el ascensor los séis pisos de esa oficina de la calle Lavalle, casi esquina Pueyrredón.

Llegamos a la puerta y antes de despedirnos, Debi me cuenta que se estaba yendo a la Bienal de Arte Joven. Yo tenía intenciones de ir porque terminaba ese mismo día. Así que nos fuimos juntos hacia allí.

Llegamos a Recoleta, y en el Centro Cultural nos encontramos con un chico a quien Debi saludó muy efusivamente. Yo, a un costado miraba la situación de reojo.

Como si tuviera que explicarme algo, Debi me dijo que era su ex novio Pablo que cumplía años justo ese día.

Le comenté que yo también estaba cumpliendo años ese día y me dio un beso en la mejilla, pero largo.

Comencé a salir con Débora el mismo día que la conocí, festejamos mi cumpleaños y terminamos en la casa de sus padres, sin hacer ruido esa noche.

Al año y medio, me echan de la editorial y después de suspender terapia, debo dejar la casa donde vivía, quedándome sin hogar en Capital y decidiendo irme a lo de mi hermana en Palomar.

Hasta que Debi tiene una idea: "Le digo a Pablo (el ex), que alquila una casona en el abasto a ver si tiene un lugar para vos".

Dicho y hecho, días después, estaba mudándome a la casa de Billinghurst 543, donde funcionaba una sala de ensayos que Pablo regenteaba.

Allí yo ocupaba una habitación donde apenas cabía mi colchón y el tablero de dibujo, el equipo de audio y los bafles. Poco más.
Además tenía una gotera a los pies de la cama, (que no cupo), y finalmente tuve que quitar y poner el colchón en el suelo.
La gotera siguió allí hasta que me fui.

Un tiempo después Debi pasó a ser historia, en parte por la aparición de Danisa que casi inmediatamente se vino a compartir la habitación conmigo ("We share the shelter of my single bed", Bob Marley.
Pasé poco más de un año entre músicos que ensayaban en alguna de las salas, a algunos aprendí a quererlos, otros a aborrecerlos (la minoría, casi todos los músicos que conocí son gente de puta madre).
Pasaron por Billinghurst 543: Mavi Díaz, Pat Coria. Pipo Cipolatti (que también vivió allí antes), Fabi Cantilo, Sturze, Aranosky y todos los Triciclos Clos, el "Gonzo" Palacios, Los "Mamá Pulpa" (que tenían un "hit" que se llamaba "Que haremo' cuando no estemo'"), un montón de artistas más y otros personajes urbanos que veían luz y subían.

Se comentaba que en esa casa habitaba un espíritu. Y doy fe que subir por las noches esas escaleras hasta llegar a mi habitación (arriba de todo) era una tarea temeraria. Todas las mañanas teníamos que cerrar las puertas de las salas grandes (que tenían cadenas y candados) porque las encontrábamos abiertas: Aranosky, que también vivió allí, puede dar testimonio de ello.

En Billinghurst 543, me olvidé del statu quo y viví el año y pico más feliz de mi vida, además en esa habitación diseñé afiches (posters) para David Byrne, The Mission, Iggy Pop y hasta doce números de la revista Cerdos & Peces.
Vera Land venía a la mañana, después de marcha, a buscar páginas para llevar a hacer las películas gráficas y luego a la imprenta, mientras yo seguía diseñando el resto de la revista.

Hace poco desde España, donde vivo, le envié un mensaje a Carlos Sturze a la radio y cuando la recordó, la describió como "Aquella maravillosa casa", que es lo que era ese lugar tan lleno de magia y arte.

RIPOLL QUIERE A CERDOS & PECES

2008-10-14T10:17:00.000-07:00

Daniel Ripoll era el dueño de la prensa del rock en Argentina, hasta que llegó otro Daniel... Grinbank.
No sé si realmente le interesaba la revista o solamente le quería tocar el culo a su competidor creyendo que se la iba a sacar.
Los sitúo: noche de invierno porteño, año 1991.
Bar que quedaba enfrente de Halley, cuando estaba en la calle Corrientes, frío que pela y gente apiñada en ese bar. En una mesa, Enrique Symns y amigos, todos de buen rollo. Enrique es un tipo que hipnotiza con su charla, como un chamán de las palabras, todos lo escuchan con embelesamiento y respeto. De repente alguien corta la magia, lo interrumpe, viene con un mensaje.
Desde otra mesa, no muy lejana a la de Symns un tipo hace señas con la mano, es Daniel Ripoll, editor y dueño de la revista Pelo, quien mandó a la persona que interrumpió la tertulia, tiene en la cara una sonrisa interesada, casi una mueca; sentado parece importante.
Symns le contesta al mandado que si el tipo de la mesa quiere hablar con él, que se levante y venga. El recadero se va con el nuevo mensaje, que descarga en el mandador. La situación empieza a tensar a todos los que están en la mesa de Symns. De repente el tipo que quiere hablar con Enrique se levanta y se acerca a la mesa. Cuando se pone de pie se ve que es un tipo alto, medianamente guapo, y con una gabardina larga que parece cara.
"¿Enrique?"
"Sí, ¿Que querés?", contesta Symns.
"Quiero hablar con vos", larga el tipo mirando a todos los que estaban en la mesa, como queriendo decir: "A solas".
Enrique, sin levantar la vista le dice: "Bueno, largá lo que querés decirme."
"Soy Daniel Ripoll: ¿Qué opinás de la revista Pelo?", le pregunta a Symns.
"Que es Radiolandia", le responde Enrique.
Al tipo se le transforma la cara y lo agarra a Symns de la solapa tirando hacia arriba, levantándolo de la silla y casi sacándolo de la mesa.
Alguien, que ni siquiera estaba en la mesa de Symns, rápido de reflejos, al ver la situación se tira encima de Ripoll, montándolo por la espalda.
Cuando todos se dan cuenta de lo que pasa, el defensor anónimo tiene al agresor Ripoll con un brazo en la espalda y una navaja en el cuello.
"¿Qué hago Enrique, lo mato?" Pregunta el justiciero.
Symns lo mira sin inmutarse y le contesta: "No, dejálo que se vaya..."

LAS REVISTAS QUE TUVE EL PLACER DE DISEÑAR

2008-10-11T04:30:00.000-07:00

En Lavalle casi esquina Pueyrredón, funcionaba la redacción de las revistas El Musiquero, Canta Rock y Rock & Pop, ésta última se hacía antes en Alem 822, la oficina de Daniel Grinbank y cuando terminó el contrato con Editorial Abril (que la imprimía), Daniel G. tuvo que salir a buscar un editor.

Por supuesto que a su tocayo Ripoll (Magendra/Pelo) no se la iba a ofrecer, porque era su competidor directo, así que se la ofreció a otra editorial, que hacía la revista "Canta Rock", que entre acordes y tablaturas mechaba reportajes a músicos, y también editaban otra especializada para músicos que se llamaba "El Musiquero", dirigida por el músico Daniel Curto.

En esa movida casi me quedo afuera, porque los nuevos editores sólo iban a contratar al director de arte (Carlos Masoch) y al diagramador, ya que armador (maquetador) tenían.

Cuando fui a cobrar mi cheque por los servicios prestados en la Rock & Pop, Masoch me cuenta que yo quedaba fuera del proyecto:"De todas formas, -me dice- hablá con el editor nuevo, que si me pregunta le voy a decir que te necesito".
Voy, me presento, hablo con el nuevo jefe de la revista: Leonardo Sacco y le cuento que yo formaba parte del staff, que era una lástima que me quedara afuera y bla bla bla.
El tipo me dice que ya tienen gente que haga mi trabajo, incluso hasta gratis, porque había un chico becado (el magnífico ilustrador Titi Albarracín, que hacía las caricaturas de los músicos que salían en la portada de la revista y tiempo después, también dibujó las portadas de las partituras para Editorial Musical Ricordi.
Entonces le propongo trabajar el primer mes sin sueldo, sólo que me pagara el boleto de colectivo desde El Palomar hasta Boedo y que si le gusta mi trabajo, al mes siguiente nos sentaríamos a negociar un precio. Así quedamos.
A los quince días, Sacco me llama a su despacho y me dice que a él y a sus socios les interesa que trabaje para ellos, arreglamos un sueldo y comienzo a diseñar para las dos editoriales que funcionaban allí (En una casa que estaba en la calle Teniente Prudán, en Boedo, que luego nos mudaríamos a Lavalle y Pueyrredón).

Un par de años después de este episodio, entra a la oficina de Once un tipo de sobretodo gris y aire misterioso que yo ya había visto en algún lado.
Al rato caigo en la cuenta. Yo por esa época compraba la revista "El Porteño", editada por una cooperativa que dirigía Gabriel Levinas.
En esa revista salía un suplemento que leía ávido en mis trayectos en tren hasta Palomar. "Cerdos & Peces".
Después, dejó de ser suplemento y pasó a ser una revista que también compré y devoré...

...Hasta el número cuatro, que contenía la traducción de un reportaje a pedófilos extraída de una revista canadiense y por eso tuvo que dejar de salir ya que un particular le hizo juicio a Levinas, el editor y a Enrique Symns, el director, que era el tipo de breto gris que entró en la oficina.
En esos días de la primavera democrática alfonsinista, le buscaban la vuelta a la censura, algún personajote anónimo se ofendía del contenido, te ponía un pleito, y si perdías te arriesgabas a pagar costas, daños, perjuicios además de joderte vivo.

Así que mejor era dejar de editar la revista, porque salía menos caro que afrontar el proceso judicial.
Un año después de aquel número 4, volvía Symns y su "Cerdos & Peces", esta vez con portada en blanco, negro y amarillo, nuevo editor (Eduardo Almirón) e igual temática y espíritu contracultural.
Al tiempo dejó nuevamente de salir, otra vez por cuestiones legales de censura encubierta.

Symns evidentemente quería ir a por más y siguió buscando editor, hasta que lo encontró en esa oficina de Once.

Unos días después de la primera visita de Enrique S. a donde hacíamos la revista de la Rock& Pop (que llevó a la confusión de que la revista la hacía el multimedios de Grinbank, cosa que no fue de ningún modo así), me confirmaban que iba a diseñarla yo. A "la Cerdos", como se le empezó a llamar por aquel entonces.
Pocas veces tuve la satisfacción como la de hacer esa revista. Hice dos números, la segunda casi no la pudimos sacar porque coincidió con el final el alfonsinismo, los saqueos y el "no hay precio", ni película gráfica, ni papel. Las películas fueron reemplazadas por papel vegetal, el papel pasó a ser blanco a de diario. El precio de tapa en el transcurso lo cambiamos como seis veces.

Un día Sacco me llama y me da una noticia: "o seguís con la Rock & Pop, o con la Cerdos", no querían que hiciese una revista de banalidades pop y otra contracultural al mismo tiempo. Cuestiones de empresa...
Tuve que dejar de hacer esa revista que hacía con los cojones en pos del sueldo seguro. ¡Ah el puto mercantilismo!
Allí vi como otro se adueñaba del diseño de la revista y realmente me dio asco y sentí mucha rabia e impotencia.

Pero la vida te da sorpresas amigo...

Meses después con Sacco las cosas terminaron mal (y con la crisis de por medio como excusa), me sacaron la tarjeta roja. Symns me dijo entonces: "Si hubieses elegido "La Cerdos", todavía tendrías trabajo"...
Al año y medio de mi despido me cruzo por la calle con Sacco, nos saludamos como dos caballeros, paramos para hablar, y aunque tenso, le pregunto cómo van sus cosas en la editorial, a lo que me contesta "Más o menos, me quedé sin la diseñadora de "La Cerdos". y yo, rápido de reflejos le respondo: "Tranquilo Leo, te la hago yo..."
El tipo se queda mirándome con los ojos desorbitados, se lleva la mano a a perilla y me dice "Es que con vos no terminamos bien, Marcelo, sos muy rebelde...",
No importa, le digo, la hago en mi casa como free-lance y no figuro en el staff.
Por eso fue que hubo un año en que "Cerdos & Peces" careció de diseñador gráfico, o por lo menos en su staff no decía que había alguien que la diseñara, aunque en el ambiente se sabía quién era.
Eso fue desde el invierno de 1990 hasta finales del año siguiente.
Lo primero que quise hacer fue que recuperara su nombre, logo y eslógan originales: "Cerdos & Peces, la revista de este sitio inmundo", tardé dos números porque tuve que convencer a Symns. La primera del regreso (la de la bomba molotov en la tapa), lleva la tipografía del logo original, pero aún dice La Cerdos".

Al logotipo original se lo habían encargado Levinas y Symns en 1984 a Carlos Masoch, el artista plástico -que en esa época era el diseñador gráfico estrella del rock argento-
No sé por qué luego lo dejaron de usar y la revista pasó a ser "La Cerdos" y las palabras "y peces", al costado, mucho más pequeñas. A mí eso no me gustaba nada.
Entonces volví a ponerlo en la cabecera de la portada. que volvió a ser blanca, negra y amarilla como en la época de Almirón.
La diseñaba en un tablero de madera que casi no cabía en la pequeña habitación que me había tocado en la casa-sala de ensayos de Billinghurst 543 (¡Mis mejores recuerdos para Pablo Gutraitch y su maravillosa casa encantada!).
Durante un año volví a mis dos amores, el diseño editorial y "Cerdos & Peces". Cuando dejé de hacer la revista, Leonardo Sacco (editor) y yo (el diseñador en las sombras), nos despedimos con un fuerte apretón de manos.
Final de algún modo feliz.

En noviembre de 1996, Symns y la jefa de redacción, la bella (por fuera y por dentro Vera Land) me vuelven a llamar para diseñar la revista en su 4ta. reencarnación.
La hice a los apurones, escapándome de la oficina donde trabajaba por entonces y no quedó como queríamos. Sólo hice ese número y me quedé con las ganas. La portada que ilustra esta entrada es la de ese número (48).

A finales de 2002 Symns -que estaba viviendo en Chile (y de paso había fundado allí la revista satírica "The Clinic"- volvió a hacer desde allí la Cerdos & Peces, con logo nuevo y eslógan levemente cambiado: "La revista de este sitio Impune" Ahí colaboré muy poquito con alguna ilustración e incluso escribiendo alguna nota con seudónimo. La revista no prendió como se esperaba del otro lado de la cordillera y salió sólo un par de números.

En 2003 Symns regresó a la argentina, consiguió editor y la retomó. Con su logotipo original, el formato de siempre y tapa a cuatro colores. Diseñé un suplemento (CoÑo) e ilustré unas notas para la revista desde España.
Esta vez salió dos números y desapareció de los quioscos, ¿para siempre?

Al día de hoy las revistas de las primera, segunda y hasta cuarta época, se venden en sitios de compra y venta de usados o por Internet a un promedio de 50 dólares por ejemplar. Paradójicamente, Cerdos & Peces siempre cotiza bien cuando deja de estar en los quioscos.

LOS TÍTULOS TRADUCIDOS

2008-09-14T10:08:00.000-07:00

Hoy se nos hace impensable que esto pueda suceder, pero desde los años '60, hasta casi los '90 en Argentina, los títulos de las canciones en otro idioma, se traducían al castellano.

El gran periodista musical Rafael Abud (RIP) se refirió a este tema en un artículo en la revista "Rock
Superstar", allá por 1978.

Voy a hacer uso del disco duro de mi memoria, y acordarme de alguna de las joyitas en las traducciones de canciones:

Un tema que originalmente se llamaba "Dan My Fly", algo así como Dan, mi "cana al aire", se convirtió casi en un poema: "Dan, mi libertad sin ti no tiene razón de ser", "Heather", de Carpenters, se la tradujo como "Calefactor" (heater), o quizás la chica era muy caliente, no sé.

Una profesora de inglés que tuve en el secundario me lo explicó de esta forma:

"Cuando nos daban los discos originales en inglés, para traducir al castellano, venían sin las letras (lyrics), entonces si no le encontrábamos sentido al título, escuchábamos atentamente la canción y le poníamos de título, alguna frase al azar, eso lo sé porque trabajé en el sello Music-Hall", me comentó.

Los Beatles han sufrido en carne propia en las ediciones argentas de sus vinilos las malas traducciones, es así como "Please, Please Me" (Por favor, compláceme) -primera canción del rock que implora por un pete -, se transformó en "Por Favor, Yo", una oda al narcisismo.

"Strawberry Fields Forever" ("Campos de frutillas para siempre"), se simplificó en "Frutillas", es decir, dejaron las frutillas y se comieron los campos para siempre (Abud dixit).

"Get Back" (Regresa) se convirtió en "Toma Revancha" y "Dig a Pony" (Me gusta el pony o "me place el caballito", como tradujeron en la película Let it Be), en la edición argentina pasó a ser "Cava un Pony" ¿se puede, cómo se hace? -Gracias Mecko por recordármelo-. Otras: "Don't Let me Down" (no me decepciones) trocó en "No Me Dejes Caer", "Mean Mr. Mustard" (Malvado Señor Mostaza) a "Significa Mr. Mustard, menos mal que no pusieron "Mean al señor Mustard".

También hubo errores ortográficos o dactilográficos: en la edición en vinilo del álbum blanco "Blackbird" ("Mirlo"), pasó a ser "Míralo".

"While My Guitar Gently Weeps" (Mientras mi guitarra llora dulcemente"), el gran tema de George Harrison que inmortalizó ese tremendo sólo de guitarra de Eric Clapton, en Argentina se llamó "Guitarra vas a llorar", así de imperativo.

Otras de las delicias discográficas de aquellos días, -que se prolongó bien entrados los '80- eran los artes de tapa de las ediciones locales de los discos extranjeros:

A saber: las discográficas madres (por cuestiones de costes), no enviaban el material original para armar la tapa del disco, sino que mandaban el disco editado, que los diseñadores teníamos que adaptar al mercado local.

Los textos legales (esos de: "All Rights Reserved..." etc.) por lo general estaban impresos a unos 3 mm. del borde inferior del álbum, entonces un truco era escanear un 10% más grande, para que esos textos quedaran afuera y si no se podía, se le ponía una banda encima y allí se pegaban los legales argentinos ("Disco es Cultura", etc.).
De ahí que se hayan visto horrendas bandas de colores tapando los créditos y textos legales originales para ser reemplazados por las traducciones en canciones y fichas técnicas.

Luego destripábamos el cartón (y el sobre interno, en caso de que lo tuviera) para su posterior escaneado o fotografiado.

A finales de los '70, la por aquel entonces CBS, para abaratar costos y competir con el bajo precio de los discos importados, decidió imprimir el arte interno de los álbumes de tapas dobles (albumettes), en solo dos colores: azul y magenta. Un verdadero asco. Resultado: Todo el mundo compraba los importados (más baratos, con mayor gramaje en el disco y espectaculares en impresión del álbum, sus sobres internos, etc.).

"Through The Past Darkly" compilado de los Rolling Stones, en su edición original inglesa venía en un sobre octogonal. Como el presupuesto de EMI Odeón de Argentina no daba para tamaño derroche en troqueles caros, decidió cambiarle el nombre al disco y lo llamó "El Pentágono", con tapa cuadrada y sin rendir cuentas suponemos, a Decca, la dueña de los derechos del disco.

Me tocó hacer la adaptación de algunos discos que editó DG Discos, el sello de Daniel Grinbank, a mitad de los '80:

"Lonely is an Eyesore", un compilado del sello inglés 4AD

"The Pink Opaque", de Cocteau Twins"

"Substance", compilado de New Order

"The Bolshoi", (ese que tenía el tema "TV Man") y algunos otros.

Todos esos discos los adapté a partir de las tapas originales editadas, cubriendo con tinta china o placas, los textos en inglés.

Recién a mediados de los 90s, las discográficas mandaban los cds rom con el material gráfico digitalizado para que se pudiese poner los textos reemplazando los originales.

Una joyita más: Me contó Alfredo Rosso, el genial periodista argentino de rock, que cuando él era el director artístico de Sicamericana (Music-Hall, one more time), -que a mediados de los '70 tenía el catálogo de WEA (Warner-Elektra-Asylum-Atlantic-Nonesuch-Reprise)-, uno de los más grossos sellos discográficos del planeta, pasaba lo siguiente:

La discográfica local (MH) no tenía guita para comprar los discos, WEA U.S.A no los mandaba a tiempo, y para suplir esa demora, el master del disco (en su edición argie) se hacía a partir de los discos que Rosso cedía de su discoteca personal.

Es decir, en lugar del acetato, se usaba el disco importado para hacer las copias que se vendían en todas las disquerías.

Así discos de Led Zeppelin, ELP, Yes, The Incredible String Band, y otros, salían de la discoteca de Alfredo.

La versión audible de esta nota la pueden escuchar en "Universo Beat"

http://www.goear.com/listen/b347c19/programa-72-30-oct2010-universo-beat-am-colonia

EL CARPO Y LA POSE DE ROCK AND ROLL

2008-08-16T04:09:00.000-07:00

Riff estaba editando un disco en vivo de un recital del año '95 en el polideportivo de La Plata para el sello Main Records, una discográfica que tenía los derechos de Rykodisc (Offspring, Morphine), de un sello de blues (Rounder) y también había editado los dos volúmenes de las "Grabaciones Encontradas" de Andrés Calamaro, antes que Gasa/WEA en España.

Era el emprendimiento de un empresario que se dedicaba principalmente a confeccionar y vender uniformes de trabajo y que le gustaba la música. el primer director artístico de la compañía fue Walter Kolm (co-fundador de Trípoli discos), cuando éste emigró a Warner Music Argentina, entró en su lugar Andrés Vignolo, manager histórico de grupos pos-punk en Argentina (A77AQUE, 2 MINUTOS, SUPERUVA, entre otros). En esa época, (1996), editaron el disco de Riff en Vivo en La Plata. Yo entré a Main con Vignolo porque diseñaba para él a mediados de los años noventa.

Cuando el fotógrafo trajo las fotos, estaba Vitico presente, las miró, eligió una y yo empecé con el trabajo de diseño y armado de la tapa para la edición del CD y del casete. Era un trabajo modesto, ya que todo estaba precocinado, una foto de la banda en vivo para la tapa y otra desde el escenario para el desplegable central.

Se imprimieron 3000 tapas para cada formato. A la semana después de entregar el original llegan los impresos. Voy a verlos a la oficina de Main y estaba Pappo y todos los de la discográfica con cara seria.

Al Carpo no le había gustado nada la foto del interior del librito y quería que todo se hiciese de nuevo, con 3000 impresiones hechas y a días para que llegaran el CD y casete terminados.
Le pregunto, timidamente a Pappo cuál era el problema con esa foto, que estaba muy bien, para el criterio general qua la había aprobado días antes. "Es que Vitico parece un puto tirando besitos", me contestó. Las risas generales distendieron el ambiente, Vignolo le dijo que si había que cambiarla, se cambiaba.

Al día siguiente con foto central nueva les entregué el original modificado que se imprimieron 2000 copias más. La tirada era de 5000, que se armaron con todas las tapas impresas, las buenas y las no buenas.

Las de la foto nueva, se vendieron en Buenos Aires, las de la foto de Vitico "tirando besos", en el interior del país.

El problema real de la foto es que Pappo salía de costado. a la izquierda (por su lugar en el escenario) y Vitico, a la derecha en una pose muy de "Rock and Roll Star". Al Carpo, se lo veía gordo y demasiado estático.
Pappo jamás se enteró de que los fans de Riff del interior, compraron el disco con esa foto.

HÉROES Y AMANTES

2008-08-03T11:57:00.000-07:00

Me acuerdo de los nombres de los chicos de la banda: Bayón era el alias del cantante y frontman, que se llamaba Pablo y tenía un look a lo Michael Hutchense, Manu, el bajista, Claudio, el guitarrista, el del batero, Gustavo, y el tecladista Richard, que fue un reputado técnico de sonido que falleció en 2001 (Ricardo Troilo, de Panda), además tenían dos coristas: Una de ellas era, Débora, que por aquel tiempo era mi novia.

Fue por Debi que conocí a este grupo, ella iba a ensayar los sábados a la casa del guitarrista y yo empecé a acompañarla. Las primeras veces que los vi tocar, me parecieron súper "professionals", que se lo tomaban muy en serio; hacían un rock-funk muy efectivo con la espéndida voz de Bayón, los arreglos del tecladista -que era uno de los principales compositores- y también componían los otros miembros de la banda. La guitarra funky de Claudio y el potente bajo de Manu dejaban su impronta en las canciones.

Varios de sus temas eran potenciales hits, y de haberse topado con un buen productor, hubieran llegado a escucharse en radios de rock y también en las multitarget. Además, coincidió con el final del Alfonsinismo y la crisis del "no hay precio". En ese momento nadie se jugaba a editar un disco de una banda desconocida.

La canción que más recuerdo es:" Bastardo", un rockito funkeado que hablaba de una feroz pelea de bar; también en directo hacían un impecable cover del "Shock the Monkey", de Peter Gabriel.

Era 1989 y el grupo tocaba en cuanto garito había en BA, el circuito de pubs, como se le decía, y también en discotecas del gran Buenos Aires.
Un año más tarde ya tenían grabado, no un demo sino un disco.

Era un trabajo de composiciones propias con mucho gancho comercial, lo habían registrado en Panda con Mario Breuer y Amilcar Gilabert en la mesa de mezclas, me tocó vivir de cerca esas sesiones de grabación en el estudio de la calle Segurola, pasarme las tardes viéndolos hacer su futuro primer disco, ¡Hasta hice coros en una canción junto con todos los que estábamos en el estudio!

Días pasados buceando en la red dí con la página de un fotógrafo (Marcelo Dance) y su blog http://bluesforalandscape.blogspot.com
Allí encontré unas fotos de la banda, de allí es la que ilustra esta entrada.
Eran gente maravillosa con quienes pasé momentos de gran alegría. Sus ensayos y conciertos, los disfrutaba de veras.
Luego de grabar el disco, iban a hacer un viaje a Chile para promocionar el material, e intentar de que alguien lo editara allá, porque en Argentina todas eran promesas y vení mañana.
Marcelo Fernández-Bitar, en la revista Rock & Pop fue uno de los pocos periodistas de rock que les publicó una entrevista.

No sé si ese viaje se llegó a concretar, porque dejé de ver a Débora y con ella a los chicos.
Tiempo después, me crucé con alguno de ellos por las calles de Buenos Aires. La última vez que los vi, fue más o menos por 1992, que tocaban en el anfiteatro del Paseo La Plaza y estuve con ellos en camarines.

Al tiempo yo me fui de Argielandia y , escribiendo este blog me acordé de mencionar a ese grupo de músicos talentosos que no tuvo la oportunidad de mostrarle a más gente cuán buenos eran.

Me gustaría volver a escucharlos y hacerle escuchar a más gente esta banda que aún hoy sonaría fresca y actual.

LUCA EN PALOMAR Y LA COPIA DE CORPIÑOS...

2008-07-28T09:30:00.000-07:00

La primera vez que vi a Luca Prodan de cerca fue en la galería de El Palomar, ubicada frente a la estación, promediando la década de los '80.

Íbamos con Mariana, mi amor de entonces a visitar a su amiga Mirta que trabajaba en una peletería dentro de esa galería comercial. Luca pasaba en la peletería varias horas con ella, que flirteó con él un verano.

Hay mucha gente que dice haber hablado con Luca durante esa época y debe ser cierto porque el tipo se ponía a conversar con quien lo parara, era lo menos star que conocí, eso sí, una vez que se bajaba del escenario.

Mirta tenía un hermano que se parecía mucho a Gustavo Cerati y Luca lo invitó una noche a subir al escenario, el pibe salió a escena con la guitarra de goma de Geniol.
Fue memorable, aunque muchos del público no entendieron del todo la broma del tano y cuando lo vieron a -supuestamente- Cerati con Sumo, empezó una potente silbatina y puteadas.

Unos meses después de ésto la disquería que quedaba en la misma galería, frente a la peletería, se puso en venta. La compró el padre de Mirta, un armenio que tenía un negocio de artículos para danza, también en el mismo centro comercial.

Mirta y sus hermanos comenzaron a atenderla, allí se vendían las copias autorizadas por Luca del casete "Corpiños en la Madrugada", cuando recién estaba saliendo el segundo disco oficial de Sumo "Llegando los Monos" (CBS).

El casete en cuestión eran copias en TDK normales.

No tenía tapa, o sí: una en blanco con el título escrito a mano en marcador negro o birome, muchas de ellas escritas por el propio Luca.

Yo, por esa época empezaba a trabajar como diseñador gráfico en la revista de la Rock & Pop y le pregunté a Luca si no me dejaba hacer una portada tentativa y que los vendieran con esa tapa.

El tipo me dio el OK y elegí una foto de Rodolfo Valentino (?) bailando con una odalisca, era una fotocopia muy quemada, de alto contraste. Puse el nombre de Sumo con el logo que ya tenían, que luego se hizo ícono y el título del disco en lettering, (a mano) abajo de la foto.

Luca opinó que tenía el espíritu del disco, así que avanti con las tapitas. Las copias no se hicieron ni siquiera en fotoduplicación, sino que fueron fotocopiadas.

Se vendieron una buena cantidad de casetes con la tapita ilustrada, aunque yo nunca tuve una de ésas, (en casa de herrero...) sino el casete con tapa blanca que escuché hasta que una noche lo llevé a una fiesta y salí de allí sin él.

Aquí a modo de recuerdo de aquella tapa, intenté reproducir (para formato CD) una, con la misma foto y conservando aquel espíritu de los malogrados ochentas.
Porque en la limpísima reedición que perpetró Sony-BMG la portada no podría ser más amarga.

¡¡¡UY EL DISCO DE NYLON!!!

2008-05-26T09:18:00.000-07:00

En 1983 yo tenía exactamente 20 años. Como soy de piscis, en diciembre de ese año tenía un poco más.
En ese mes comencé a trabajar en una empresa de estibajes archivando fichas en un antiguo fichero Cardex.

Era mi primer empleo, quedaba en la zona de Retiro cercana al puerto, iba caminando por el costado de la villa porque el colectivo 33 pasaba cada 40 minutos y yo andando tardaba menos. Nunca me pasó nada, ni malo ni bueno.

Llegaba dormido al trabajo después de tomar el tren San Martín desde mi Palomar (casi) natal, donde muy poco después conocería a Luca Prodan, de Sumo, a Aspix (fotógrafo del rock en aquellos años), a Andrés Ciro de Los Piojos...

Una mañana los chicos del taller (allí se reparaban todas las máquinas, autoelevadores y transportes varios que se usaban en el puerto), pusieron la radio a todo volumen. Sonaba Virus con su reciente "Agujero Interior", el más rockero, el mejor, decía el locutor de la publicidad del disco.

La radio quedó alta y a continuación comenzó a sonar una canción que aún hoy me hace saltar cuando la escucho.

Una voz de mujer que imitaba un poco a la Nina Hagen de "New York, New York", pero en castellano y una letra que me dejó mudo.

Terminó la canción, el locutor la nombró tímidamente "Gracias General" y enseguida dijo el nombre del grupo: "Nylon". Me acordé que una tal "Nylon" (Diana) había formado parte de las Bay Biscuits, la asocié y sí, era ella, nomás.

Compré el disco a la salida del trabajo, ese mismo día.

Una tapa con una foto fortísima, un tipo desnudo, vendado los ojos y la boca y el cuerpo enfundado en celofán, como un matambre. Tenía pegada un sticker infame que decía: "Antes del 30 de octubre" que seguramente la autocensura de la época obligó a poner. Estuve semanas con el disco en el equipo, lo ponía todo el tiempo. Me había fascinado la voz de Diana, su forma de cantar, las guitarras y los teclados.

Y sobre todo las letras. Durísimas algunas, muy osadas para la época cuestionar a la familia, insinuar el uso de la cocaína o pedirle a un general que abra las urnas y nos deje votar.

La caída inminente de la dictadura y el tiempo que la discográfica tardó en decidirse a editar el disco, hizo que algunas letras quedaran como desfasadas en el tiempo, a cuando se perdió la guerra de Malvinas, que fue cuando el disco se grabó.

El disco venía sin sobre interno y la ficha técnica era escasa: Diana Nylon, voz - Ric Mor, bajo - Jorge Alem, guitarras y Mariano Casanova, batería.
También formaron parte de la grabación: Andrés Calamaro, Daniel Melingo, Daniel Melero y las ex Bay Biscuit, Fabi Cantilo y Stephanie en las casi 200 horas que tardaron en registrarlo.

En un reportaje de la época en que salió el disco, Diana se quejaba de la nula difusión por parte de la discográfica (Can Records/Music-Hall) y de lo mal que estaba hecha la mezcla.

El vinilo sonaba horroroso, sobre todo en los agudos, que chirriaban como una radio mal sintonizada y el bajo casi ni se escuchaba.

De todas formas la música sobresalía por sobre todo los defectos que podía tener la edición.
Diana explicaba así el concepto del disco:
"Nuestra música sirve para calmar los ánimos, pero al mismo tiempo los excita de forma increíble". Quizás la mejor definición sea que hacemos música boomerang, es decir un estilo de ida y vuelta".

Diana Nylon había estado en Europa, vivió de okupa (squatter, se decía entonces) en Holanda, luego volvió a Argieland, se quedó, formó parte del Ring Club y de las Bay Biscuits, compuso varias canciones, entre ellas "Ritmo Colocado" que está en "La Dicha en Movimiento", primer disco de Los Twist (y también en el disco que estoy comentando), formó Nylon, grabó el único disco de la banda y tocó en el Einstein, en Hanoi, en el barco Maria Sí y en cuanto garito de rock había en Capital. El disco no vendió, o vendió poco y al tiempo los Nylon se separaron.

La información sobre la banda es muy escasa, fui uniendo retazos y apelando a la memoria para completar este post. Hay un vídeo en Youtube: Viaje al Último Segundo de Willy Lemos donde actúa Diana. Es muy interesante y son las únicas imágenes que hay de ella en la red.
http://www.youtube.com/watch?v=pTG19ij9134

Tuve el honor y el placer de encontrarme por casualidad con ella a principios del año 1990, un día que yo tenía que verme con Douglas Vinci en una radio del barrio de Belgrano donde él trabajaba.

Le dije que su disco era para mí, uno de los mejores que había escuchado en los '80, me agradeció con una sonrisa tímida y un beso en la mejilla.

Pasó mucho tiempo hasta que supe de Diana Nylon.

Fue algunos años después, en una muestra de rock nacional cuando la vi en un recorte de diario, una columna maldita que contaba de su muerte en la habitación de su departamento, asfixiada por el monóxido de carbono de una estufa en mal funcionamiento.
A finales de los '80 Diana viajó nuevamente a Europa y a su regreso en 1992 prometió reunir a la banda, su muerte en 1994 truncó el deseo de mucha gente que los quería ver tocar otra vez.

Mi disco de Nylon se quedó en Buenos Aires, ciudad donde hace casi una década que no vivo más, luego, por una equivocación fue a parar al parque Rivadavia, donde alguien sí sabía qué estaba comprando y nunca más lo vi.

Busqué por Internet por si alguien lo tenía y sí, en una disquería de BA estaba.

Cuando volví hace tres años quise comprarlo, pero ya lo habían vendido.

Hace unos días buscando otras cosas di con este excelente blog: "Los Inconseguibles del Rock Argentino" y en este link que adjunto están todos los temas, en 128 kbps (pero suena sin los chirridos agudos y bastante bien): http://losinconseguiblesdelrock.blogspot.com/search/label/NYLON

LA MEJOR BANDA...

2008-01-16T07:19:00.000-08:00

La culpa la tiene otro, como siempre. En este caso fue el periodista de Rock Claudio Kleiman, que estaba reemplazando a Alfredo Rosso en su programa "La Casa del Rock Naciente" que va (hora Argentina), los domingos de 3 a 8 de la mañana por la FM Rock & Pop (95.9).

Claudio puso dos versiones de viejos hits, una de ellas me llamó la atención, era una apropiación bizarra de "Please Mr. Postman", aquel viejo hit de la factoría musical Motown que versionaron Los Beatles y la "anorexica nervosa" difunta Karen Carpenter, entre otros.

La banda se llama "El Cuarteto De Nos" y es una formación uruguaya que se inició en 1980 y grabó su primer disco (¡¡¡compartido con otro artista!!!) en 1984.
Sin cambiar de integrantes, la banda siguió y siguió, con delirantes puestas en escena en sus presentaciones en directo, grabando y editando discos, cambiando de sellos discográficos. Hasta que se les ocurre meterse con José Gervasio de Artigas, prócer oriental, especie de San Martín uruguayo. La canción se llama "El día que Artigas se emborrachó" Y ahí se armó de veras. La discográfica que los tenía contratado no quiere publicar la canción y la banda la autoedita. Primer round ganado.

Pero allí no termina todo: Un diputado de la democracia uruguaya los acusa de traición a la bandera y otras lindezas y propone que los juzgue una corte militar.

El disparate acaba dejando vender el disco pero con restricciones, si lo querías tenías que demostrar tu mayoría de edad presentando el DNI, cuyo número tenía que quedar registrado en una lista ¿negra?.

Volvamos al comienzo de esta historia: Kleiman pasando música de madrugada y yo escuchando del otro lado del charco, a cinco horas de diferencia.
Sonó "Bo cartero" y se me revolucionó la cabeza como hace mucho no pasaba.

La letra de "Mr. Postman" se convierte de súplica en exigencia inmediata, la novia se le fue hace un año a Colonia prometiendo cartas y envío de dinero, pero las cartas no llegan y el cartero sigue de largo. Termina con que si no le entrega la carta, el "bo cartero" se va a ganar un "Terrible enema".

Flashback. Escuchando la radio por Internet me doy cuenta que la música rock en Argentina ya no es lo que era. Hace varios años que vivo fuera del país donde me tocó nacer y la música rock autóctona es lo primero que extraño. Pasan temas, pasan bandas y nada me gusta. De pronto suena algo así como una especie de rap, pero sin serlo, con un estribillo penetrante. No sé de quienes se trata, y pienso: "No todo está perdido". Pero no anuncian quienes cantan tremendo hitazo. Me imagino que se llama "Yendo a la casa de Damián", porque lo dice ese estribillo entrador. Con esta banda el rock argie está a salvo, medito...

Averiguo por Internet datos y discografía (extensa) de la banda: Me decido por "El Cuarteto De Nos" y "Raro", penúltimo y último hasta la fecha.
Producidos ambos por Juan Campodónico, capo de la mesa de mezclas, productor de Jorge Drexler, La Vela Puerca, Bajofondo...
Pido dos discos de "El Cuarteto De Nos", tardan varios días y por fin llega el cartero, esta vez sí me los trae.

De los dos elijo el último: "Raro". El sonido es demoledor, las letras de las canciones destilan ironía y humor negro, la banda suena impecable, pasan los temas y todos son buenos, llego a la cuarta canción y me encuentro con: "Yendo a la casa de Damián", subo el volumen, gozo como loco.
Los temas que le suceden, son de lo mejor que he escuchado en todos estos años.
Entonces descubro que la mejor banda de rock argentina de estos momentos, es uruguaya.

HOY SONÉ CON LOS OCHENTA

2008-01-09T08:47:00.000-08:00

Hoy soñé con los '80, la era de los raros peinados nuevos, las hombreras, el diseño pop revisitado, los colchones de teclados hasta en el heavy...

La banda de sonido que tenía en la cabeza cuando sonó la alarma del reloj, era Shiva, un hitazo de Comida China, banda fantasma si las hay, un seleccionado del rock argentino de aquel entonces (El disco se grabó en el '85, pero el demo se escuchaba ya el el '82 en el programa de Lalo Mir, 9 PM, que iba por Del Plata)

Y quizás ése haya sido el motivo de que el disco se diluyera entre las bateas de las ofertas, porque es en realidad un gran disco, con letras irónicas, y arreglos que hoy suenan bien, (por ejemplo un sólo de arpa ¡Mucho antes que Babasonicos!), o la más alta densidad de coristas femeninas por metro cuadrado: María Rosa Yorio, Leonor Marchesi, Hilda Lizarazu, Fabi Cantilo, Claudia Puyó.

La bella portada es del artista plástico Carlos Masoch, que además de pintar de maravillas, hacía las tapas del rock argie en esos años.

Lo bueno es que el sello Universal vuelve a editarlo en Argentina, bajo la etiqueta Interdisc en formato CD, y sería bueno que la gente lo comprara y lo escuchara de nuevo, porque además del hit de marras, hay otras canciones que merecen tener una segunda oportunidad.

La balada que da título al disco, "Laberinto de Pasiones" cantada a dúo por Bini y Claudia Puyó, es una de las mejores que se hayan parido ever. El disco entero merece una nueva escuchada.

(En el blog de Comida China hay un comentario de un jovencito de 19 años pidiendo los acordes y la letra de Shiva... La música cuando es buena, trasciende generaciones).